Reynier Village Blog

di Elisa Leonelli

La serie TV Ripley, regia e sceneggiatura di Steven Zallian, rinomato scrittore di film come La lista di Schindler di Steven Spielberg e The Irishman di Martin Scorsese, adatta il romanzo di Patricia Highsmith del 1955 Il talento di mister Ripley. L’intrigante storia era già stata interpretata per il cinema da René Clément in Delitto in pieno sole (1960) con Alain Delon, Maurice Ronet, Marie Laforet, e nel 1999 da Anthony Minghella in Il talento di Mr. Ripley con Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Philip Seymour Hoffman, Cate Blanchett.
Ambientata a New York e in Italia nell’inverno del 1960-1961, Ripley è stata girata nell’incantevole paesino di Atrani sulla costa amalfitana, a Napoli, Roma, Palermo e Venezia, con attori italiani come Margherita Buy e Maurizio Lombardi che affiancano i protagonisti Andrew Scott (Tom Ripley), Johnny Flynn (Dickie Greenleaf), Dakota Fanning (Marge Sherwood).

Dakota Fanning, Johnny Flynn, Andrew Scott

Da notare fra gli altri interpreti John Malkovich, un personaggio da Il sepolto vivo, secondo romanzo dei cinque con protagonista Tom Ripley, che era stato Ripley nel film di Liliana Cavani del 2002 Il gioco di Ripley, dal terzo romanzo della serie. Eliot Sumner (Freddie Miles), figlio di Sting e Trudie Styler. Hildegard De Stefano, della serie TV La Compagnia del Cigno, nel ruolo di Mina che vediamo cantare Il cielo in una stanza di Gino Paoli in un nightclub di Napoli.

Zallian sostiene: “Avevo bisogno di più tempo per adattare questo libro, non lo potevo fare nelle due ore di un film, quindi il formato di otto ore era più soddisfacente. Ho voluto girarlo in bianco e nero, perché secondo me il romanzo era una versione letteraria del film noir, con un tono buio e minaccioso, e non volevo un’Italia da cartolina a colori, per questo ho girato d’inverno. L’aspetto pittorico di ogni inquadratura era importante per me, se fermavi la macchina da presa, vedevi un bel quadro o una fotografia, con una perfetta composizione.”

Johnny Flynn as Dickie

Flynn spiega: “Sia il romanzo che la nostra versione sono raccontati dal punto di vista di Tom Ripley, quindi a poco a poco entri nella logica del personaggio, provi quello che lui prova e incominci a immedesimarti con lui. Io dovevo cercare di capire perché Dickie lo trova intrigante e vuole insegnarli come percepire il mondo, lo entusiasma vedere che Ripley ha gli istessi ideali di bellezza che ha lui. La loro amicizia era autentica. Steven mi diceva spesso che Dickie era un bravo ragazzo, un tipo dolce, non immorale come nel film di Minghella. Era scappato dai genitori, perché si vergognava della loro sfrontatezza di nuovi ricchi che valutavano solo i soldi. Voleva rifugiarsi nella vecchia Europa, in questo bellissimo posto e nell’idea di essere un artista.”

Adam Scott as Tom Ripley

Scott aggiunge: “Ripley è un artista della truffa, e incredibilmente dotato, deve fare piccoli imbrogli per sopravvivere. Viene ignorato dalla società dei ricchi, non ha accesso alle arti, alla musica, alla bellezza, ma quando le scopre, prova un senso di rabbia per esserne stato escluso.”

Scott risponde alla mia domanda su Caravaggio, un pittore che Dickie aiuta Ripley a scoprire e con cui lui finisce per identificarsi: “Trovo un colpo di genio da parte di Steven Zallian aggiungere questo risvolto alla storia. Mia madre era una professoressa di storia dell’arte e fin da piccolo mi ha insegnato l’uso del chiaroscuro negli straordinari quadri di Caravaggio. Ripley è affascinato da questo artista, anche lui un criminale, le cui opere d’arte continuano ad ammaliarci.”

Zallian conclude: “Non ho mai considerato Ripley uno psicopatico o un assassino di professione, non è bravo a uccidere, come non lo saremmo noi, quindi possiamo simpatizzare con lui. Ha certi desideri e bisogni, che lo portano a compiere atti terribili, ma prova un senso di orgoglio per il suo talento, è un bugiardo di professione e molto bravo, è incapace di dire la verità.”

Dakota Fanning as Marge

L’americana Fanning adora il nostro paese: “L’Italia aveva un ruolo importante in questa storia, ogni posto aveva un tono e una vibrazione diversa, quindi era speciale per noi poter girare nel vostro paese. Nel mio tempo libero non facevo che camminare e esplorare, a Roma, a Venezia, a Capri, ho scoperto tesori segreti, fatto compere e mangiato cucina locale, ho incontrato gente meravigliosa. Per me è stata una magnifica avventura.”

Pubblicato su Best Movie, Italy
Foto cortesia di Netflix

Yesterday I went to see the excellent documentary Remembering Gene Wilder that opened at the Laemmle Royal Friday March 22.

I enjoyed it tremendously as a long time fan of this amazing comedian.

You may read these articles I wrote to honor Gene Wilder at the time of his passing in 2016.

For Cultural Weekly Wild and Crazy Gene Wilder

For the Golden Globes website Gene Wilder – A Master of Comedy Speaks

Wilder was the subject of one of my first home photo layouts in 1976. In 1986 one of those photographs, reproduced in B&W, was on the cover of the ASMP (American Society of Magazine Photographers) newsletter featuring my portfolio.

Gene Wilder © Elisa Leonelli 1976

If there’s a comedian’s heaven, you’re there Gene, laughing.  You will not be forgotten.

Di Elisa Leonelli

Kate Winslet-The Regime (c) HBO

La miniserie TV The Regime – Il palazzo del potere racconta cosa succede dietro le quinte all’interno del sontuoso palazzo di un fittizio regime autoritario centro europeo, governato da una dittatoriale Cancelliera, la bravissima diva britannica Kate Winslet. L’attore francese Guillaume Gallienne interpreta il marito che ama la poesia, il belga Matthias Schoenaerts è il violento caporale dell’esercito che diventa suo amante e consigliere, Andrea Riseborough è la fedele direttrice del palazzo, Martha Plimpton la senatrice Americana che arriva a negoziare un contratto per l’estrazione del cobalto, Hugh Grant è l’ex-cancelliere, un intellettuale progressista. Stephen Frears è responsabile della regia di tre episodi, Jessica Hobbs degli altri tre.

Will Tracy, creatore e sceneggiatore, rivela di essersi ispirato al libro del giornalista polacco Ryszard Kapuściński, L’imperatore: caduta di un autocrate, “sugli ultimi giorni del regno di Haile Selassie in Etiopia, raccontato da servitori e funzionari del palazzo. Quando si svegliava, che cosa mangiava a colazione, come si vestiva. Ho concepito questa serie come una specie di Downton Abbey o Su e giù per le scale, non ambientato in Inghilterra, ma in un paese situato geopoliticamente fra l’Est e l’Ovest, fra Russia e Cina, la NATO e gli Stati Uniti.”

Si tratta di una farsa, di una commedia assurda, non di una tragedia, ma con un tema serio: la rivolta popolare dei minatori del cobalto e dei coltivatori della barbabietola da zucchero contro il regime di un pericoloso dittatore dal potere illimitato che crea una sua realtà a cui tutti quelli che la circondano devono far finta di credere.

Kate Winslet-The Regime (c) HBO

Kate Winslet spiega come è arrivata a creare il personaggio della paranoica e ipocondriaca Elena: “Ho consultato uno psicologo e un neuroscienziato per capire che poteva succedere a una bambina dopo certi traumi subiti da piccola, per via di una relazione piuttosto discutibile con il padre. Ha studiato medicina e ha una laurea da dottoressa, quindi sappiamo che è una donna decisamente intelligente, ma deve gestire grossi disturbi emotivi e mentali, che cerca continuamente di superare.”

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Lily Gladstone ha vinto un Golden Globe, votato da giornalisti internazionali, come migliore attrice in un film drammatico, protagonista con Leonardo DiCaprio del film Killers of the Flower Moon, regia di Martin Scorsese, dal saggio del 2017 Gli assassini della terra rossa scritto da David Grann.

Lily Gladstone (c) Adrienne Raquel-Golden Globes

Accettando la statuetta dorata, l’attrice ha detto alcune frasi nella lingua dei Piedi Neri della Riserva indiana nel Montana dove era cresciuta, ha ringraziato sua madre per aver lavorato instancabilmente per trovare un insegnante di quella lingua per la loro scuola.

Il regista le aveva suggerito di ispirarsi a Olivia de Havilland nel film del 1949 L’ereditiera, regia di William Wyler dal romanzo di Henry James del 1880 Piazza Washington.

Lily Gladstone(c) Gilbert Flores-Golden Globes

Lily spiega: “Nell’interpretare una donna tradizionale della Nazione Osage nell’Oklahoma degli anni Venti, volevo anche riempire il vuoto causato dalla mancanza di attrici protagoniste native americane durante l’epoca d’oro del cinema di Hollywood degli anni Venti, Trenta e Quaranta. Le donne Osage avevano la stessa grazia e regalità di quelle classiche attrici. Mentre la Caterina di Olivia de Havilland faceva parte di una opprimente società patriarcale, dove le donne erano considerate senza valore, la mia Mollie proveniva da una comunità matriarcale, dove le donne controllavano le finanze e le proprietà, erano amate e rispettate, e le famiglie festeggiavano la nascita di una figlia femmina. Ma alla fine le due donne si comportano allo stesso modo, quando Montgomery Clift bussa alla porta, Caterina non la apre, la chiude a chiave e risale le scale. E Mollie esce dalla stanza, quando si rende conto che Ernest le aveva mentito.”

Leonardo DiCaprio, Lily Gladstone © Melinda Sue Gordon-Apple

Lily ammira Leo: “È incredibilmente generoso come attore e come essere umano, una delle persone più generose che abbia mai incontrato nella mia vita. È stato così così paziente con me, mi ha dato tanto spazio e incoraggiamento.”

Lily Gladstone, onorata dall’organizzazione Film Independent in una serata al teatro Wallis di Beverly Hills, sponsorizzata dalla Apple e dalla Golden Globe Foundation, rivela che cosa iniettava il marito a Mollie per i diabete oltre l’insulina: arsenico e morfina.

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Past Lives (Vite passate), prima regia della scrittrice Coreana Celine Song da una sua sceneggiatura, racconta come Nora Moon (Greta Lee) e Hae Sung (Teo Yoo), amici d’infanzia, vengono separati a 12 anni quando la famiglia di Nora emigra a Toronto nel Canada da Seul, capitale della Corea del Sud. Dopo essersi ritrovati brevemente via Skype 12 anni dopo, si rivedono in persona quando Hae Sung visita New York altri 12 anni dopo e incontra Arthur (John Magaro), il marito americano di lei.Dopo il debutto a Sundance nel 2023, questo piccolo film indipendente ha ricevuto ben cinque candidature ai Golden Globes da giornalisti internazionali, molti altri premi da varie organizzazioni di critici cinematografici, e due nomine agli Oscar.
Come mai ha suscitato tanta ammirazione?

Celine Song © Matthew Dunivan

Spiega la regista, sposata nella vita con lo scrittore Justin Kuritzkes, sceneggiatore di Challengers di Luca Guadagnino: “Questa storia per me autobiografica è diventata personale per il pubblico. Non devi necessariamente essere un immigrante che ha attraversato l’Oceano Pacifico e ha lasciato il suo paese, la sua lingua e la sua cultura a una giovane età, per provare nostalgia di come eri da bambino. Quando rivedi un vecchio amico che ti conosceva allora, ti ricordi di come eri, circondata dai sentimenti, dalla luce e dagli odori della tua infanzia. Quella persona non esiste più adesso che sei adulto, ma la vedi rispecchiata negli occhi dell’altro, come un ologramma di te stesso in un momento completamente diverso della tua vita.”
“Il marito di Nora sa che l’amico coreano della moglie viene a trovarla, come un fantasma del suo passato, perché è innamorato di lei, e quando li sente parlare in una lingua che non capisce, è terrorizzato, ma rimane lí seduto al bar senza dire una parola. Deve accettare la realtà dei fatti, che c’è una parte di lei che lui non conoscerà mai.”Greta Lee, nata a Los Angeles da genitori Coreani, attrice nella serie televisiva The Morning Show con Jennifer Aniston e Reese Witherspoon, aggiunge: “Il concetto di In-Yun (destino) nella filosofia Coreana Buddista si riferisce a rapporti che si ripetono nel corso di molte vite precedenti e future. Quando Nora si trova seduta nel mezzo affiancata da questi due uomini è come se si trovasse alla soglia di due mondi e due culture, spiccando un salto nel tempo e nello spazio, in due versioni diverse di se stessa.”

Pubblicato su Voilà Magazine, Italy-Facebook e Instagram

Sandra Milo (c) Elisa Leonelli

Italian actress Sandra Milo died today January 29, 2024 at age 90.
She became famous after acting in Federico Fellini’s movies 8 1/2 (1963) as the mistress of Guido (Marcello Mastroianni), and Juliet of the Spirits (1965) as the glamorous neighbor of Giulietta Masina.
In 2009 she revealed having been the director’s secret lover for 17 years.
I took a couple of portraits of Milo’s smiling face in 1983 while attending an award ceremony at Cinecittá, the famed movies studios in Rome.
That year I spent three months in Italy and France, photographing movie stars like Stefania Sandrelli, Terence Hill, Monica Vitti, Ugo Tognazzi, Michele Placido, Giuliana DeSio, Gian Maria Volonté, etc.
If you read Italian, click on this article of Best Movie’s website.
Goodbye Sandrocchia (the nickname Fellini invented for her).

Jeffrey Wright interpreta uno scrittore e professore di letteratura inglese nel film American Fiction, prima regia di Cord Jefferson, autore della sceneggiatura basata sul romanzo Erasure di Percival Everett del 2001.

Jefferson racconta: “Ho fatto il giornalista per anni, e mi chiedevano sempre se volevo scrivere articoli sull’assassinio di Trayvon Martin o altri adolescenti non armati uccisi dalla polizia. Quando poi ho iniziato a lavorare in televisione e nel cinema, ero entusiasta perché pensavo che avrei potuto aprire le ali e scrivere sulla condizione dei neri in altre situazioni, per esempio nello spazio oppure a cavallo di draghi volanti, cioè esplorare la profondità, la diversità e la complessità della vita dei neri. Invece mi proponevano di scrivere film su uno spacciatore di crack o su uno schiavo cieco che grazie a un ricco benefattore bianco diventa un famoso pianista prodigio.”

Grazie alla produttrice Alana Mayo dello studio Orion, e alla partecipazione di Jeffrey Wright, American Fiction indaga proprio questa tematica, con un senso dell’umorismo satirico, di come gli autori neri vengono relegati a trattare solo soggetti stereotipati.

Wright è Thelonious Ellison, soprannominato “Monk” dal famoso jazzista, Tracee Ellis Ross la sorella maggiore, una dottoressa che lavora per Planned Parenthood, Sterling Brown è il fratello minore omosessuale, Issa Rae l’autrice di un romanzo di successo.

Jefferson aveva ammirato Jeffrey Wright da quando lo vide interpretare l’artista Jean-Michel Basquiat nel film di Julian Schnabel del 1996: “È un attore di grande talento, come Robert DeNiro, che dopo ruoli drammatici da gangster passa alla commedia e fa ridere tutti con Ti presento i miei (Meet the Parents) e Un boss sotto stress (Analyze This), oppure Gene Hackman in Frankenstein Junior (Young Frankenstein) di Mel Brooks.”

Wright, padre di due figli, spiega perché ha accettato il ruolo: “Apprezzo il modo in cui Cord esplora il contesto e la storia del razzismo, come nella società attuale ci sia una ipersensibilità su questi temi. Mi piace il suo senso dell’ironia, ma è soprattuto la famiglia ritratta nel film che ha maggior significato per me.”

Paul Giamatti
Intervista di Elisa Leonelli

Paul Giamatti, finalmente libero dalla seria televisiva Billions, che lo aveva tenuto impegnato per sette stagioni dal 2016 al 2023 nel ruolo principale di Procuratore Generale di New York, accettò la proposta dell’amico regista Alexander Payne, con cui aveva già lavorato in Sideways-In viaggio con Jack (2004) dove aveva interpretato un insegnante d’inglese, di fare il protagonista di The Holdovers-Lezioni di vita, ancora una volta un professore, in questo caso di lettere classiche, in un collegio del Massachusetts, chiamato appunto Paul, dato che il ruolo era stato concepito per lui. Malvisto dal preside, gli viene accollata la responsabilità di fare da supervisore agli studenti costretti a rimanere in sede durante le vacanze di Natale. Quando ne resta solo uno (l’esordiente Dominic Sessa), i due nemici finiscono per sviluppare un rapporto di amicizia che li aiuta entrambi, in un terzetto insieme alla capocuoca (Da’Vine Joy Randolph), in lutto per la morte del figlio nella guerra del Vietnam. Il film è ambientato nel 1970.

Paul Giamatti as Paul Hunham in The Holdovers © Focus

Come mai questo professore era tanto odiato dagli studenti?
Paul prova un vero piacere a inventarsi elaborati insulti, si compiace della propria intelligenza e sghignazza, è un uomo represso ma con un senso dell’umorismo. Assomiglia un po’ a Ebenezer Scrooge, l’avaro del romanzo di Charles Dickens Canto di Natale.

Quando frequentava il liceo privato Choate nel Connecticut, c’era un professore che ha ispirato la sua interpretazione nel film?
Decisamente ero consapevole che stavo pensando a un professore di biologia in prima liceo che era un tipo molto simile. Era difficile e sarcastico, ma anche da ragazzino mi rendevo conto che era un bravo insegnante, e sotto sotto era buono, non simpatico, ma gentile.

E da studente come si comportava lei?
Se una materia non mi piaceva non mi impegnavo, non capivo la matematica e ancora oggi ho incubi sulle lezioni di matematica, perché so solo contare con le dita e trovo anche questo difficile. Ma ero bravo quando una materia mi interessava.

Paul Giamatti as Paul Hunham in The Holdovers (c) Focus

Quali erano i problemi di Paul, che vengono rivelati poco a poco durante il film?
In quanto professore di storia e letteratura Greca e Latina, Paul apprezzava lo stoicismo degli antichi Romani, era importante per lui mantenere sempre la calma, almeno in apparenza, e anche se parecchie volte perdeva la staffe, si riprendeva presto. Si era costruito intorno questa elaborata facciata con la cravatta a farfalla, l’insistenza sulla rettitudine morale e tutte queste stronzate, ma lo faceva per proteggersi. Quella scuola è l’unico posto al mondo in cui si sente funzionante e al sicuro, ma pian piano questa maschera si sgretola, anche se lui se la rimette subito addosso.

In che modo lo studente ribelle e l’insegnante burbero si aiutano a vicenda a superare le loro difficoltà emotive?
Scoprono un reale rapporto e si rendono conto di tante cose, e questo cambiamento non li rende persone completamente diverse, ma diventano capaci di andare avanti. Il professore incomincia a rendersi conto di avere disperatamente bisogno dei rapporti con gli altri, e soprattutto con questo studente che gli ricorda come era lui a quella età, e per cui prova un sentimento quasi paterno, che trovo molto commovente.

Come spiegherebbe la conclusione di questa storia natalizia?
Paul si sacrifica per un altro essere umano, fa un gesto altruista che causa l’implosione della sua vita protetta in quella scuola privata dove non solo insegna ma anche abita, se ne deve andare e non sappiamo che cosa gli succederà. Per me non si tratta di una conclusione necessariamente tetra, ma di un gesto di straordinaria generosità.

Perché pensa che The Holdovers sia stato tanto apprezzato sia dal pubblico che dalla critica?
Perché nei film di Alexander Payne vediamo una basilare umanità, persone vere con cui ci relazioniamo. Il messaggio del film ha a che fare con le idee di collegamento, empatia, famiglia, calore, intimità, prendersi cura gli uni degli altri. È davvero bello provare questi sentimenti in modo profondo, in un mondo da matti come quello di oggi, vedere un semplice dramma di tre persone che si scoprono a vicenda.

Paul Giamatti (c) Golden Globes

I 300 giornalisti internazionali che votano per i Golden Globes, fondati dalla Hollywood Foreign Press 80 anni fa, hanno scelto Giamatti come migliore attore. Ha detto accettando la statuetta dorata: “Tutti nella mia famiglia sono insegnanti, da generazioni. Gli insegnanti sono brava gente, li rispetto, è un lavoro difficile, quindi questo premio è anche per loro.”

Leggete qui  l’intervista pubblicata sul sito di Best Movie

Leggete qui l’articolo su Alexander Payne pubblicato su Best Movie gennaio

Di Elisa Leonelli

Il regista Alexander Payne parla del suo ultimo film The Holdovers-Lezioni di vita. Ambientato nel 1970 in un collegio del Massachusetts, rimasto vuoto durante le vacanze di Natale, esplora l’amicizia che si forma fra tre persone diversissime e li aiuta a superate tristezze e frustrazioni. Paul (Paul Giamatti) è un burbero professore di storia antica, Angus (Dominic Senna) uno studente ribelle, Mary (Da’Vine Joy Randolph) la capo cuoca della mensa studentesca.

Payne ha scritto anche la sceneggiatura dei sui film, fra cui La storia di Ruth, donna americana (Citizen Ruth 1996), Election (1999), Paradiso amaro (The Descendants, 2011), Nebraska (2013), Downsizing-Vivere alla grande (2017), ma non in questo caso.
“Una dozzina di anni fa avevo visto a un festival un film poco conosciuto, Merlusse del 1935, del famoso regista francese Marcel Pagnol, che aveva la stessa premessa, quindi avevo deciso di rubare quell’idea e l’avevo messa nella mia lista. Poi 5 o 6 anni fa ricevetti un pilota televisivo ambientato nel 1980 nel mondo delle scuole preparatorie private del Nordest USA. Allora telefonai allo scrittore, David Hemingson, e gli chiesi se voleva scrivere la sceneggiatura per un film da questa mia idea. Lui non solo disse di sì, ma accettò di lavorare sulla fiducia, senza garanzia di pagamento.”

Paul Giamatti as Paul Hunham in The Holdovers © Focus

Il ruolo di protagonista era inteso per Paul Giamatti, che il regista aveva diretto nel premiatissimo Sideways-In viaggio con Jack (2004).
“Paul è in grado di fare qualsiasi cosa, è un grande attore, sarebbe come dare un ruolo a Meryl Streep o Laurence Olivier. Inoltre Paul ha avuto l’esperienza di questo mondo, dato che ha frequentato il liceo privato di Choate Rosemary Hall nel Connecticut, e poteva utilizzare i suoi ricordi di persone conosciute in quegli anni. Non so chi altro avrebbe potuto interpretare Paul, forse Richard Dreyfuss quando era giovane o magari Charles Laughton, ma non mi viene in mente nessuno fra gli attori contemporanei.”

Dominic Sessa, Paul Giamatti-The Holdovers (c) Focus

Per interpretare lo studente, scoprirono un esordiente, Dominic Senna, che aveva appena recitato nella commedia di Neil Simon Rumors, ma non era mai stato davanti alla macchina da presa.
“La direttrice del casting Susan Shopmaker aveva guardato 800 audizioni, io personalmente ne avrò viste 70 o 80, fra cui molti giovani attori già conosciuti, ma ero aperto a trovare una faccia nuova. Dominic frequentava l’ultimo anno di liceo alla Deerflield Academy nel Massachusetts, una delle scuole private dove abbiamo girato il film, e Susan me lo aveva raccomandato. Stava già facendo domanda di ammissione a università che hanno ottime facoltà di teatro come Brandeis, NYU (New York University) e CMU (Carnegie Mellon), che frequenta quest’anno, quindi sapeva di voler fare l’attore, ma fu una sorpresa per noi scoprirlo, come se fosse emerso completamente formato dalla testa di Zeus. Paul e io complottavamo su come aiutare questo novellino, gli dicevo che da attore esperto toccava a lui mantenerlo rilassato, ma Dominic non aveva nessun bisogno dei nostri consigli, lo abbiamo spinto nelle onde dell’oceano e lui si è messo a surfare.”

Payne ha un modo particolare di guidare gli attori durante le riprese.
“Ho frequentato la facoltà di cinema alla UCLA (University of California Los Angeles) dove mi hanno insegnato a non dire mai agli attori come recitare una battuta, ma il consiglio migliore me lo ha dato Mike Nichols. Sono orgoglio di rivelare che era diventato mio amico agli inizi della mia carriera, come aveva fatto con tanti giovani registi, allora gli ho telefonato per chiedergli come dovevo comportarmi con Jack Nicholson prima di girare A proposito di Schmidt (About Schmidt, 2002), e lui mi ha risposto, ‘molto semplice, ragazzo mio, basta dirgli la verità.’ Nicholson stesso mi disse di non aver paura a fargli sentire come avrei recitato io una battuta, soprattutto dato che l’avevo scritta, così poteva capirne il ritmo. Charlie Chaplin diceva sempre che l’unico modo in cui poteva dirigere gli attori era di recitare la scena per loro e dirgli di imitarlo. Anche William Wyler non sapeva cosa dire agli attori, anche se moltissimi di loro sarebbero stati poi nominati all’Oscar per aver interpretato i suoi film. Nel mio caso fra azione e taglio, mentre tutti gli altri sono focalizzati sulla loro specialità, i costumi, i capelli, il microfono su asta, io mi metto nella posizione del pubblico che guarda il film, e se alla fine della scena non mi va bene, dico, ‘Non mi convince. Eri troppo lento, vai più veloce. Metti l’accento su questa parola non su quella.’ Voglio credere che questa scena stia accadendo realmente davanti a me e che abbia il ritmo di un film.”

La scelta di ambientare il film nel 1970-1971 era stata fatta per due motivi.
“Per dare allo sceneggiatore la possibilità di fare riferimento alla guerra del Vietnam, dove era stato appena ucciso il figlio di Mary, arruolato nell’esercito. Poi per ambientarlo in un passato in cui esistevano ancora scuole private tutte maschili. L’ultima ad ammettere anche donne nel 1989 fu proprio la Deerfield Academy (che era stata fondata nel 1797). Per tutta la carriera ho sempre cercato di fare film che fossero una estensione moderna dei film degli anni 70 che avevo ammirato da ragazzino, ma a un certo punto, dopo che avevamo finito la sceneggiatura e ci stavamo preparando a iniziare le riprese, ho avuto la brillante idea di farlo sembrare un film girato negli anni 70, sia nell’aspetto visivo che nel sonoro. Per esempio abbiamo registrato i dialoghi e le musiche in mono non in stereo, niente surround sound o Atmos.”

Payne cita i titoli dei film che ha fatto vedere ai collaboratori e agli attori come ispirazione.
“Quando stavamo preparando il film a Boston, ho scelto dei film da proiettare per il direttore della fotografia (Eigil Bryld), lo scenografo (Ryan Warren Smith), la costumista (Wendy Chuck) e Dominic, che non li aveva mai visti. Il laureato (The Graduate) di Mike Nichols, Harold and Maude, Il padrone di casa (The Landlord) e L’ultima corvé (The Last Detail) di Hal Hasby, Paper Moon-Luna di carta di Peter Bogdanovich, Una squillo per l’ispettore Klute e Tutti gli uomini del presidente (All the President’s Men) di Alan Pakula. Ho persino messo in una scena del film Piccolo grande uomo (Little Big Man) di Arthur Penn, che avevo visto quattro volte a 9 anni, dato che lo davano in un cinema vicino a casa dove potevo andare a piedi.”

Una scena che lo ha particolarmente ispirato è da un classico film italiano del 1950.
“Non so per qual motivo, ma mi è venuta in mente una scena che mi era molto piaciuta alla fine di Ladri di biciclette di Vittorio De Sica, quando il bambino Bruno afferra la mano del padre, dopo che lo aveva visto tentare di rubare una bicicletta e venire picchiato.”

Fra i tanti film ambientati in tempo natalizio, Paul Giamatti cita Lo schiavo dell’oro (Scrooge, 1951) con Alastair Sim dal romanzo Canto di Natale (A Christmas Carol, 1843) di Charles Dickens, e Alexander Payne La vita è meravigliosa (It’s a Wonderful Life, 1946) di Frank Capra con James Stewart. Entrambi film drammatici, ma non sentimentali.
“Volevo manipolare il mio film espertamente in mondo che non sembrasse manipolatore, ottenere un effetto emotivo senza sentimentalismo. È difficile da spiegare, ma è una questione di buon gusto. Ho seguito il consiglio di Anton Checov, nella lettera che scrisse a un giovane scrittore che gli aveva mandato un suo racconto, e ricordo che Akira Kurosawa diceva sempre che un film dovrebbe essere divertente e facilmente comprensibile. Dopo aver visto Il capolavoro di Kurosawa I sette samurai (1954) in versione restaurata al cinema Castro di San Francisco nel 1983, ho deciso che dovevo assolutamente fa domanda per ottenere un master di cinema.”

Questo testo è stato pubblicato su Best Movie di gennaio in Italia, accorciato e tradotto in spagnolo su Best Movie Espana.

Emerald Fennel parla di Saltburn
di Elisa Leonelli

Saltburn, secondo film della attrice, regista e sceneggiatrice Britannica Emerald Fennell, dopo il suo debutto con Una donna promettente (Promising Young Woman) nel 2021, racconta la improbable amicizia tra due studenti dell’università di Oxford nel 2007. Oliver, interpretato dall’attore irlandese Barry Keoghan del film Gli spiriti dell’isola (The Banshees of Inisherin) di Martin McDonagh, è un tipo basso, goffo e mal vestito, mentre Felix (Jacob Elordi, l’attore australiano che interpreta Elvis Presley nel film di Sofia Coppola Priscilla) è un ragazzo ricco, alto e bello, che per compassione invita il compagno meno fortunato a passare le vacanze estive con la sua famiglia aristocratica nella loro sontuosa villa chiamata Saltburn. Rosamund Pike è bravissima nel ruolo della madre di Felix, come pure Richard E. Grant nel ruolo del padre, e Carey Mulligan, protagonista di Una donna promettente, ha un ruolo di sostegno.

Emerald Fennell on zoom

“Intendevo fare un film nel genere del gotico britannico, un horror romantico come Dracula (1958, regia di Terence Fisher dal romanzo di Bram Stoker del 1897), Cime tempestose (Wuthering Heighs, 1939, regia di William Wyler dal romanzo di Emily Brontë del 1847), Rebecca (1940 di Alfred Hitchcock). La mia storia si ispira a Ritorno a Brideshead (Brideshead Revisited, serie TV del 1981 e film del 2008 dal romanzo di Evelyn Waugh del 1945), Messaggero d’amore (The Go-Between, 1971 di Joseph Losey), Il grande Gatsby (The Great Gatsby, 1974, dal romanzo di Francis Scott Fitzgerald del 1925, Espiazione (Atonement, 2007 regia di Joe Wright dal romanzo di Ian McEwan del 2001). La trama racconta quello che è successo l’estate precedente, quando tutti erano riuniti in una tenuta di campagna, un ambiente claustrofobico come in una casa stregata, avvenimenti da cui nessuno è riuscito mai a riprendersi. Forse perché sono inglese mi interessano gli enormi manieri dell’aristocrazia e della famiglia reale, un genere che è stato esportato con successo da serie televisive come Downton Abbey (2011-2016 creata da Julian Fellowes).”

“Volevo parlare di sesso e di desiderio non consumato, della differenza di classe e del potere. Siamo in un momento particolare come esseri umani nel mondo in cui viviamo, e spesso disprezziamo le cose che desideriamo, vogliamo rapporti che non possiamo avere con gente che vediamo su Instagram; invidiamo la vita degli altri, li amiamo e li odiamo allo stesso tempo, in una tensione sporca e sadomasochista che ci fa odiare noi stessi. Allora ho gettato tutto questo in un calderone e ne è uscito fuori questo film irrazionale.”

“Mi interessava esaminare come solitamente mentiamo profondamente a noi stessi ogni giorno, e provavo una enorme simpatia per il personaggio di Oliver, con cui mi identifico sotto molti aspetti. Oliver soffre di una sindrome di cui soffriamo più o meno tutti, cioè che vorremmo diventare qualcun altro, reinventarci. Oliver aveva lavorato tutta la vita per arrivare a una università come Oxford, su cui aveva fantasticato, che pensava gli avrebbe aperto tutte le porte, poi quando si trova lì capisce che lavorare sodo è considerato un comportamento patetico, e tutto quello che riteneva valesse la pena non lo è. Come facciamo tutti all’età di 18 anni, quando finalmente siamo adulti e iniziamo l’università, vogliamo fare nuove amicizie, sedurre la gente; quindi quando Oliver si trova di fronte a uno come Felix vuole fare le mosse giuste, allora cerca di capire che cosa vuole sentirsi dire e glielo dice. Si tratta di un inganno, ma tutto quello che Oliver fa è completamente normale, lo fanno tutti, solo che lui lo fa meglio degli altri, dà alla gente quello che vogliono e loro sono contenti, fino a che non incominciano a morire.”

“Nel mio mestiere di regista non faccio giudizi morali sul comportamento dei miei personaggi, perché non lo ritengo utile, ma ho l’obbligo di dire la verità, il che può sembrare strano quando si parla di un’opera di finzione.”

“Mi entusiasma il fatto che questo film è concepito per essere visto nei cinema, dove ci si trova in una stanza buia con altre persone, una dinamica di per sé affascinante. E tutte le proiezioni a cui ho assistito hanno suscitato risposte diverse ma sempre viscerali: grida, strilli, rantoli, schifo, disperazione, risate. Proprio come sulle montagne russe.”

Senza spoilerare troppo, possiamo rivelare che Saltburn ci ricorda film come Il talento di Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley, 1999) con Matt Damon, regia di Anthony Minghella dal romanzo di Patrizia Highsmith dal 1955, e Teorema (1968) di Pier Paolo Pasolini con Terence Stamp.

Testo pubblicato su Best Movie, Italy. December 21, 2023

di Elisa Leonelli

Zerocalcare (c) Rosdiana Ciaravolo-Getty Images

Zerocalcare è il nome d’arte del fumettista italiano Michel Rech. La sua seconda serie animata Questo mondo non mi renderà cattivo va in onda su Netflix dal 9 giugno, 2023, negli Stati Uniti e in altri 190 paesi, a seguito del successo della prima serie Strappare lungo i bordi che aveva debuttato a livello internazionale il 17 novembre 2021, dopo la prima al festival del Cinema di Roma il 17 ottobre.

Molto famoso in Italia, l’autore deliziò i fans rispondendo a domande all’evento “Best Movie Comics and Games” a Milano sabato 9 giugno. Il modesto 39enne confessò con il suo tipico senso dell’umorismo: «In questi mesi ho capito che sono un tossico del lavoro. Se rallento vado in crisi di astinenza, riempio i buchi con il lavoro. Non sto facendo niente per rallentare, non saprei come fare. A un certo punto collasserò. Oppure o faccio un figlio o piglio un cane, più probabile il cane».

A Roma è stato allestito uno speciale luna park a tema Zerocalcare per lanciare la nuova serie, migliaia di fan si sono messi in coda per vedere attrazioni come il “Gabinetto degli orrori del Dottor Calcare.” Una clip era stata presentata al festival di San Remo il 9 febbraio. Una mostra dei suoi disegni originali intitolata “Dopo il botto” era stata allestita alla Fabbrica del vapore di Milano dal 22 dicembre 2022 al 23 aprile 2023.

Armadillo e Zerocalcare © Netflix

Il mondo autobiografico di Zerocalcare nel quartiere popolare di Rebibbia alla periferia di Roma era stato descritto nel suo primo albo a fumetti La profezia dell’Armadillo (2011). L’autore spiega il titolo: «qualsiasi previsione ottimistica fondata su elementi soggettivi e irrazionali spacciati per logici e oggettivi, destinata ad alimentare delusione, frustrazione e rimpianti,” e il gigantesco armadillo che abita con Zero: “il mio amico immaginario, il lato razionale, che facilita le comprensione dei miei pensieri e elucubrazioni.”

Zerocalcare © Netflix

Durante la quarantena causata dal coronavirus nel 2020 Zerocalcare produsse per conto suo un primo cartone animato, Rebibbia Quarantine, andato in onda sul canale televisivo La7. Avendo constatato I limiti ci quello che poteva fare da solo, si rese contro di aver bisogno dell’aiuto di altri collaboratori per creare una prodotto più cinematico, il che risultò nella serie Strappare lungo i bordi, sei episodi collegati di 15 minuti che raccontano la storia di Zero e dei sui migliori amici Secco e Sarah che si recano a Biella per il funerale della comune amica Alice.
L’autore spiegò in un’intervista per Best Movie nel 2021: «Ho un grosso senso di appartenenza tribale, sono molto legato ai mondi da cui provengo, ovvero i centri sociali e la scena punk romana, e tutto ciò che mi porta un po’ fuori da lì mi spaventa. Ma non metto mai nelle mie storie roba omofoba, sessista o razzista, a meno che non sia in bocca a un personaggio negativo.”

Secco, Zero, Sarah © Netflix

La serie attuale Questo mondo non mi renderà cattivo, sei episodi collegati di 30 minuti ciascuno, è sempre ambientata a Rebibbia, dove Zero frequenta I soliti amici: Secco, un tipo rilassato che vuole sempre andare a prendere il gelato, e Sarah, una donna intelligente che Zero considera la sua coscienza morale, come un faro che gli mostra la giusta via in un mare tempestoso. Si aggiunge un altro amico, Cesare, che torna ad abitare nella casa del madre, dopo 20 anni passati in un centro di riabilitazione dalla droga, e si unisce a un gruppo neo-nazista che si oppone con violenza a un centro di accoglienza che ospita 30 profughi.
Zerocalcare ammise su Best Streaming del giugno 2023: “I temi sono più complessi e certamente più divisivi. Riguardo ai valori ho dei punti cardinali, ma non mi va che siano ideologici. Mi sembra intellettualmente più onesto anche raccontare i miei dubbi e contraddizioni.”

Zerocalcare aveva già affrontato temi politici in due dei suoi libri a fumetti: Kobane Calling (2016) su un viaggio per appoggiare le resistenza curda in un villaggio al confine fra la Siria e la Turchia, e No Sleep Till Shengal (2022) sulla persecuzione della comunità ezida curda a Shengal nell’Iraq del nord.

È interessante notare che usare come capro espiatori gli immigrati e le comunità etniche è un tema universale in tante parti del mondo e che un artista italiano politicamente consapevole le esplori con compassione e senso dell’umorismo.

By Elisa Leonelli

Elizabeth Banks © Wilson Webb/Roadside Attractions

Many women rightly feared that, after the election of Donald Trump as President of the United States over Democratic candidate Hillary Clinton in November 2016, the Republican President, aided by a Republican majority in the Senate, would appoint conservative judges to the Supreme Court, whose goal was to curtail women’s freedom of choice. This is exactly what happened, on June 24, 2022, when the constitutional right to abortion, guaranteed by the Roe v. Wade decision, January 22, 1973, which had been the law of the law for nearly 50 years, was overturned by the Dobbs v. Jackson Women’s Health Organization decision, leaving legislation regulating abortion up to the individual states rather than the federal government.

To date 13 states enacted near total abortion, with no exceptions for rape or incest, and made this procedure illegal (Alabama, Arkansas, Idaho, Kentucky, Louisiana, Mississippi, Missouri, Oklahoma, South Dakota, Tennessee, Texas, West Virginia).  Other states have gestational limits, such as Georgia of 6 weeks, Arizona of 15 weeks.

Vice President Kamala Harris said to Stephen Colbert on March 15: “It’s the height of irresponsibility, in fact, in many cases it’s inhumane what has been happening in states around our country that are passing laws that would criminalize health care providers, literally provide for jail time for doctors and nurses who provide reproductive health care, that would punish women for simply seeking the kind of care that they choose, that they need.”

Two pieces of work, that both debuted at Sundance and were released on streaming or in theaters later in 2022, the feature film Call Jane and the documentary The Janes remind viewers that what happened 50 years ago in women’s history is still relevant today, more so than ever. Women and feminist men have to mobilize again, as they did in the late 1960s, to help women obtain this simple medical procedure that saves lives and should be part of standard health care in every hospital in the country.

Call Jane, directing debut of screenwriter Phyllis Nagy, who had written the screenplay for Carol (2015) directed by Todd Hayes, tells the story of a middle class housewife, Joy (Elizabeth Banks), in 1968 Chicago, with a teenage daughter and a lawyer husband, who is happily expecting a second child, when her doctor detects a heart condition that would make childbirth dangerous for her survival. However the all-male board of the hospital denies her a medical abortion. She finds a note scribbled at a bus stop “Pregnant? Need Help? Call Jane,” and a phone number. Thus begins her discovery of this group of courageous women, headed by Virginia (Sigourney Weaver), who, with humor and compassion, provided this procedure that was then illegal, to help other women.

The story of the real-life women who inspired this fictional feature is told in the documentary The Janes, which illustrates the historical background of the times, the civil-rights and anti-war movements of the late 60s, and features interviews with several founders of the Jane Collective. Laura Kaplan, author of the 1995 book The Story of Jane: The Legendary Underground Feminist Abortion Service, explains the work they did 50 years ago, at great risk to themselves, to save women’s lives and provide basic healthcare, which eventually landed seven of them in jail in May 1972. One of them reveals that she was the first one to be released on bail because she was pregnant and a teacher, married to a lawyer. After a clever woman lawyer obtained several delays of the trial, the charges against them were dropped, when the Roe v. Wade decision by the Supreme Court, January 22, 1973, guaranteed the constitutional right to an abortion.

Call Jane writer-director Phyllis Nagy said to press before the premiere: “We set out to make the film about the power of exercising choice. How our choices, large and small, define not only our immediate actions, but also our investments in the future, our own futures and the futures of generations to come. The women of the Jane Collective, whom the film honors, understood choice as a matter of integrity, politics and dignity, and through great difficulty forged a brave path for thousands of women, a path that may still prove necessary for us to tread. I hope that Call Jane will provoke and illuminate in equal measure. Art has the power to move when it speaks without judgment, with honesty and not an inconsiderable amount of humor, to every situation we may grapple with.”

Members of The Jane © HBO

Sigourney Weaver addressed those times in the early 1970s: “When Roe versus Wade was passed, three of the judges were Nixon’s conservative judges, but they understood that the right of a woman to decide for herself whether to bear a child was fundamental to her dignity, to her person, to her freedom, and to her health. It was such a wakeup call to me when I read that, because it is an issue that has been politicized. This film will take you back into the experience, it beautifully shows women rescuing other women from hopelessness and danger. And having lived through that time, believe me, we do not want to go back to that. We want to remind people that there’s another life at stake, that’s walking and breathing and trying to make the best decisions she can, and it’s important to respect these choices, even if you may not agree with them personally. So, I hope that we can engage the younger generation, who’ve always had this right and may have taken it for granted, to put the focus back on the pregnant woman herself.”

Elisabeth Banks, who is one of the film producers, added: “I find in all of my experience that unwanted pregnancy is 100% the cause of irresponsible ejaculation, so men are responsible. This movie is a joyful representation of women working together to solve something that they didn’t do, so I want to involve more men in these conversations, that’s why there’s some really supportive men in the film as well.”

Originally published on Golden Globes website March 18, 2023

By Elisa Leonelli

Elvira Coda Notari, the first woman director of Italian cinema, was born in Salerno, Campania, on February 10, 1875. She benefited from an education, which was unusual for women of that time, earning a high school degree as an elementary schoolteacher. After moving to Naples with her family, she met photographer Nicola Notari, whom she married in 1902. Together in 1906 they started a company, called it Dora Film after their daughter, specialized in the colorization of movies, short films called “Arrivederci,” newsreels, and narrative features. Elvira wrote the screenplays, directed, edited and sometimes acted, her husband was in charge of the cinematography, the lighting and the set design, their son Eduardo, nicknamed Gennariello, played important roles in all of his mother’s films.

Elvira e Nicola Notari © Il cinema ritrovato

Elvira also founded a School of Cinematic Art, where she taught naturalistic acting, in contrast with the theatrical style of famous actresses of the period, like Francesca Bertini in Assunta Spina (1915) and Lyda Borelli in Ma l’amor mio non muore (1913).

Her movies were based on popular Neapolitan songs, plays and serial novels, told stories of love and jealousy, betrayal and murder, often ripped from the headlines. The projection of silent films was customarily accompanied by live music from a piano player or a small orchestra. In a 1979 video interview, Eduardo Notari remarked: “We were the first to put a singer under the screen synchronized with the images.” In the same style as other silents of the era, the interior scenes were usually tinted in sepia, the exteriors in blue; additionally all of the Dora films were colorized by hand frame by frame.

Most of the 60 feature films directed by Elvira Notari are lost, except for three, that were presented in 2014 at the Film Festival “Laceno d’oro” in Avellino, Campania, and in 2016 at PAN, the Arts Palace in Naples. To accompany this exhibit of movies, photographs and documents, titled “La film di Elvira,” a book was published in 2016 with several essays, including one penned by Sara Fiori outlining the parallels between the Italian Elvira Coda Notari and the French Alice Guy-Blaché, the first woman filmmaker in the history of cinema.

These three films were then presented at the 2018 Bologna film festival “Il Cinema Ritrovato” in a section titled “Napoli che canta” (Naples sings).

Eduardo Notari-Gennariello. Fantasia ‘e surdato © Dora Film 1927

Fantasia ‘e surdato (Fantasy of the Soldier, 1927), based on a Neapolitan ballad, features a grown-up Eduardo Notari as Gennariello, a young man who, after being unjustly jailed for murdering his brother, volunteers for the front. Soldiers from Naples, Palermo, Venice and Florence sing songs from their hometowns, accompanied by images of the most famous landmarks, in the case of Naples the Gulf and the Vesuvius. At 28 minutes, only half of the original footage survived, because the rest was cut by the censors.

Rosé Angione. ‘A Santanotte © Dora Film 1922

‘A santanotte (The Holy Night, 1922), restored in 2008 by George Eastman House and Cineteca Nazionale, tells the story of Nanninella (Rosè Angione), a young girl who works as a waitress, whose drunken father beats her, and is forced to marry an unwelcome suitor, while the man she loves languishes in jail, falsely accused of murder.

Rosé Angione, Alberto Danza-È piccerella © Dora Film 1921

È piccerella (She’s a Young Girl, 1921) also stars Rosè Angione as Margaretella. Rosella was Eduardo’s math teacher, recruited by his mother to become an actress. Film critic Enza Troianelli writes that Margaretella is not a femme fatale: “She knows that in the South of Italy, if a girl gets engaged, she risks domestic imprisonment within the four walls of the home.” Her wish for freedom “becomes an anthem to joyous femininity.” However, “She is condemned by conformism and respectability” and meets a tragic end. It is to be noted that, according to Sara Fiori, piccerella in the Neapolitan dialect means a willful, sincere and transgressive young woman.
Another main character in both films is Maria, the mother, played by Elisa Cava, a saintly woman devoted to her sons, clearly representing the director’s own feelings about motherhood.
In È piccerella documentary footage of real life events is mixed with fictionalized scenes. It’s amazing to watch the daily life of Naples, well-dressed citizens in horse-drawn carriages returning from an annual pilgrimage, eating out in restaurants, attending the celebrations of Our Lady of Mount Carmel, complete with fireworks.

In 1925 Dora Film opened a New York Office on Mulberry Street in Little Italy, where nostalgic Italian immigrants longed to see movies set in their beloved Naples.

Naples had been one of the two centers of Italian movie production from the beginning, since 1896, when on April 4 the shorts by the Lumière Brothers premiered at the café-chantant Salone Margherita. Turin was the other city where early films were produced, but they were generally big budget historical spectacles like Cabiria (1914) by Giovanni Pastrone. By 1930 Italian movie production had moved to Rome, supported by Mussolini’s fascist government that ruled Italy from 1922, and often censored Elvira’s films for depicting a reality of Neapolitan life that conflicted with the propaganda of ancient Roman Empire glory promoted by the regime. Also because of the arrival of sound, Dora Film stopped production, only handling distribution. Elvira retired in Cava de’ Tirreni, her father’s hometown, where she died on December 17, 1946. She lived long enough to see Italian women earn the right to vote in national elections, which was granted on February 1, 1945.

Ignored by male film critics and historians for decades, Elvira Notari was studied in depth by Enza Troianelli in the 1989 biography “Elvira Notari pioniera del cinema napoletano (1875-1946)”, by Italian-American scholar Giuliana Bruno in “Rovine con vista. Alla ricerca del cinema perduto di Elvira Notaro” published in 1995, by Chiara Ricci in “Il cinema in penombra di Elvira Notari” published in 2016. Finally this champion of heroic women who defied patriarchal society, a wife and mother, an entrepreneur and an artist, had received her much deserved recognition.

Originally published on Golden Globes website March 10, 2022

Di Elisa Leonelli

Elvira Coda Notari, la prima regista donna del cinema italiano, nacque a Salerno in Campania il 10 febbraio 1875. Ebbe il vantaggio dell’istruzione, cosa insolita per le donne di quei tempi, diplomandosi dalla Scuola Normale come maestra elementare. Dopo essersi trasferita a Napoli con la famiglia, conobbe il fotografo Nicola Notari che sposò nel 1902. Insieme nel 1906 fondarono una compagnia chiamata Dora Film dal nome della figlia, specializzata nella colorizzazione delle pellicole, nei cortometraggi detti “Arrivederci”, nei documentari di attualità e nei lungometraggi narrativi. Elvira scriveva le sceneggiature, faceva la regia e a volte l’attrice, il marito era incaricato della fotografia, delle luci e degli scenari, il figlio Eduardo, soprannominato Gennariello, interpretava ruoli importanti in tutti i film della madre.

Elvira and Nicola Notari © Il cinema ritrovato

Elvira fondò anche una Scuola di arte cinematografica, dove insegnava una recitazione naturalistica, in contrasto con lo stile teatrale delle famose dive dell’epoca come Francesca Bertini in Assunta Spina (1915) e Lyda Borelli in Ma l’amor mio non muore (1913).
I suoi film prendevano spunto da popolari canzoni napoletane, opere teatrali e romanzi d’appendice, raccontavano storie d’amore e di gelosia, di tradimenti e di omicidi, spesso tratte da fatti di cronaca. La proiezione dei film muti era solitamente accompagnata da musica dal vivo di un pianista o di un’orchestrina. In un’intervista video del 1979 Eduardo Notari sottolineò: “Noi fummo i primi a mettere un cantante sotto lo schermo che si sincronizzava con le immagini.” Nello stile degli altri film muti dell’epoca, le scene di interni erano di solito tinteggiate in color seppia, gli esterni in azzurro; inoltre tutti i film della Dora erano colorati a mano fotogramma per fotogramma.

La maggioranza dei 60 lungometraggi diretti da Evira Notari sono andati perduti, eccetto tre, che furono presentati nel 2014 al festival del cinema “Laceno d’oro” di Avellino in Campania, e nel 2016 al PAN, il Palazzo delle Arti di Napoli. Per accompagnare questa mostra di film, fotografie e documenti intitolata “La film di Elvira” nel 2016 fu pubblicato un libro con vari saggi, fra cui uno scritto da Sara Fiori che descrive i parallelismi fra l’italiana Elvira Coda Notari e la francese Alice Guy-Blaché, la prima regista donna nella storia del cinema.
Questi tre film furono poi presentati nel 2018 al Festival di Bologna “Il Cinema Ritrovato” nella rassegna intitolata “Napoli che canta”.

Eduardo Notari as Gennariello. Fantasia ‘e surdato © Dora Film 1927

Fantasia ‘e surdato (1927), tratto da una canzone napoletana, ha come protagonista un ormai adulto Eduardo Notari nel ruolo di Gennariello, un giovane ingiustamente imprigionato per l’assassinio del fratello, che si arruola volontario per il fronte. Soldati di Napoli, Palermo, Venezia e Firenze cantano canzoni delle loro città natali, accompagnate da immagini dei luoghi più pittoreschi, nel caso di Napoli il Golfo e il Vesuvio. Il film dura solo 28 minuti, una metà dell’originale ha sopravvissuto, dato che il resto fu tagliato dalla censura.

Rosé Angione. ‘A Santanotte © Dora Film 1922

‘A santanotte (1922), restaurato nel 2008 dalla George Eastman House e dalla Cineteca Nazionale, racconta la storia di Nanninella (Rosè Angione), una giovane cameriera, picchiata dal padre ubriaco e costretta a sposare un corteggiatore non di suo piacimento, mentre l’uomo che ama languisce in galera falsamente accusato di omicidio.

Rosé Angione, Alberto Danza-È piccerella © Dora Film 1921

È piccerella (1921), sempre con Rosè Angione nel ruolo di Margaretella. Rosella era l’insegnante di matematica di Eduardo, reclutata da sua madre per fare l’attrice. Enza Troianelli scrive che Margaretella non è una femme fatale. “Sa che nel Sud, se ci si fidanza, si rischia una sorta di ergastolo tra le quattro mura domestiche.” Purtroppo “ciò che la condanna sono il conformismo e il perbenismo,” e la sua vita finisce tragicamente. Bisogna notare che, secondo Sara Fiori, piccerella è “una espressione dialettale napoletana per indicare una giovane volitiva, schietta, incline alla trasgressione.”
Un’altro personaggio principale di entrambi i film è Maria, interpretata da Elisa Cava, una santa donna devota ai sui figli, che chiaramente rappresenta i sentimenti della regista sulla maternità.
In È piccerella riprese documentarie dal vero sono intercalate con scene di finzione. È fantastico guardare la vita quotidiana di Napoli, cittadini vestiti a festa su carrozze a cavalli che ritornano da un annuale pellegrinaggio, mangiano nei ristoranti, partecipano alla festa di Santa Maria del Carmine, completa di fuochi d’artificio.

Nel 1925 la Dora Film aprì un ufficio a New York su Mulberry Street di Little Italy, dove I nostalgici immigranti italiani immigrants agognavano vedere dei film ambientati nello lora beneamata Napoli.
Napoli era stata uno dei due centri italiani di produzione cinematografica fin dagli inizi, dal 1896 quando il 4 aprile i corti dei fratelli Lumière furono proiettati in anteprima al café-chantant Salone Margherita. Torino era l’altra città dove furono prodotti i primi film muti, ma erano soprattutto kolassal storici come Cabiria (1914) di Giovanni Pastrone. Arrivato il 1930 la produzione cinematografica si era spostata a Roma, sostenuta dal partito fascista di Mussolini che governava l’Italia dal 1922, e spesso censurava i film della Notari in quanto presentavano una immagine realistica della vita di Napoli che contraddiceva la propaganda delle antiche glorie dell’impero romano promulgata dal regime. Anche a causa dell’avvento del sonoro, la Dora Film interruppe la produzione, limitandosi alla distribuzione di film. Elvira andò in pensione a Cava de’ Tirreni, città natale del padre, dove morì il 17 dicembre 1946. Era rimasta al mondo abbastanza a lungo per vedere le donne italiane conquistare il diritto al voto nelle elezioni nazionali, che diventò legge il 1 febbraio 1945.

Ignorata per decenni da critici e storici del cinema maschi, Elvira Notari fu studiata in profondità dalla critica cinematografica Enza Troianelli nella monografia del 1989 “Elvira Notari pioniera del cinema napoletano (1875-1946)”, dalla studiosa Italo-Americana Giuliana Bruno in “Rovine con vista. Alla ricerca del cinema perduto di Elvira Notaro” publicato nel 1995, da Chiara Ricci in “Il cinema in penombra di Elvira Notari” del 2016. Finalmente questa paladina di donne eroiche che sfidavano la società patriarcale, una moglie e mamma, una imprenditrice e un’artista, aveva ricevuto il riconoscimento che tanto si meritava.

Pubblicato sul sito Golden Globes 10 marzo, 2022

The Goddess of Fortune (La Dea Fortuna) Italy
by Elisa Leonelli

La Dea Fortuna, by Turkish-Italian director Ferzan Ozpetek, is the story of a gay couple in crisis, whose daily routine is upended when their best friend Annamaria (Jasmine Trinca) asks them to take care of her children, Martina 12 and Sandro 9, while she is undergoing diagnostic tests for migraines in a Rome Hospital. Arturo (Stefano Accorsi) is a frustrated writer working from home as a translator, Alessandro (Edoardo Leo) is a successful plumber who goes out to his job every day and supports the family. As they are forced to perform the duties of adoptive parents, their relationship, that had become stale after 15 year together, undergoes a change and they are able to rekindle their love for each other.
The director says that the idea for the film was inspired by his own experience, when one of his two twin brothers, Asaf, was dying of pancreatic cancer, and his sister-in-law, who was suffering from diabetes, asked him if he and his longtime partner, Simone Pontesilli, would agree to raise her twin children, a boy and a girl, if something should happen to her, because she trusted them more than some of their other relatives. Ferzan promised they would do it, but when he started thinking about such a huge responsibility, it frightened him.
Stefano Accorsi, who had acted in the director’s films Le fate ignoranti (2000) and Saturno contro (2007), says that this couple is surrounded by a group of friends, their chosen family, as it often happens in Ferzan’s films, reflecting the director’s real life.
Edoardo Leo says that his character has a manual job that he loves very much and allows them to live a comfortable life, while his partner is an intellectual who cannot bring in any money. When they suddenly have two children living in their house, they realize they can no longer argue and insult each other with nasty words, because the kids are listening, so they have to change their focus from each other to them.
Jasmine Trinca says that she plays an unconventional mother, with two children from different fathers who are not in their life, but when she has to leave them in the care of others, she chooses her dear friends over her own mother, love over biology.
The film shows a beautiful trip by ferry that the two men take with the children from Naples to Sicily to visit their grandmother in her 17th century villa in Bagheria near Palermo. The stern baroness is depicted like a wicked witch from Brothers Grimm fairytales, who literally used to lock up her children in a wardrobe, and is homophobic. Another location, that gives the film its title, is the Temple of Fortuna Primigenia in Palestrina near Rome, and it’s a ritual dedicated to this Roman Goddess that the new family performs at the end by bathing in the waters of the Mediterranean Sea.

Originally posted on Golden Globes website December 9, 2020

Priscilla, written and directed by Sofia Coppola, from the 1985 memoir Elvis and Me by Priscilla Presley, premiered at the 80th Venice film festival, where the film’s star Cailee Speany won the Volpi Cup as best actress. Elvis is played by Jacob Elordi, the Australian actor also starring in Saltburn, written and directed by Emerald Fennell, that premiered at the Rome Film Festival. They all answered questions at a Press Conference on September 4, as did Priscilla Presley herself.
We saw Sofia Coppola interviewed in person on October 15, after the American Cinemathèque screening of Priscilla at the Aero in Santa Monica, and on zoom with Cailee Speany on October 30.

Cailee Spaeny, Jacob Elordi © Philippe Le Sourd-A24

Coppola: “As I was reading Priscilla Presley’s memoir, I never expected to get so involved, and I was surprised because I realized how little I knew about her. I was really moved by her story and connected to the way she described everything she went through, from being a girl to an independent woman, after such an unusual circumstance. I was really happy to have access to Priscilla and for her to be open to reliving that era. She talked about it in such vivid detail and gave me so much insight.”

Priscilla was a 14-year-old teenager when she met Elvis who was 24, in 1959 while he was stationed in Germany during his military service. In 1962 he invited her to visit him at Graceland, his residence in Memphis, Tennessee, then obtained her parents’ permission to let her finish school at a local Catholic institution.

Coppola: “I had no idea that she was in high school while living at Graceland. In the book she talks about partying all night with Elvis, and having to go to school the next morning, thinking how could she explain to the nuns that she had been up all night trying to be the fun girlfriend, picking out which handgun would go with which glittery dress. So I show these crazy contrasts in her life.”

Speany: “I grew up in an Elvis-loving family going to visit Graceland, so he was very much part of my childhood, and obviously I knew that Priscilla went with Elvis, but I didn’t know her side of the story.  I was also growing up with Sofia’s films, and the way she tapped into young female stories, which I find so rare in films these days, felt like she always finds a true depiction of teenage girls. So I was excited to tell this story, because it hadn’t been told before, and with this filmmaker.”

Coppola: “For me, at this stage in my life, I felt like I’ve had experience in making films and this one relates to the idea of finding one’s identity, which always appeals to me. Also I’m at point of my life where I’m a mother of teenage girls (Romy, 16, and Cosima, 13, with husband Thomas Mars), so I could see the story from both perspectives, thinking, ‘how could Priscilla’s parents let her go live in Graceland?’  I had a different perspective that now I could put into the story on different levels.”

Speany: “The first step was reading the script along with the book, really diving into that and writing out the biggest questions that I had, then meeting with Priscilla herself trying to go through that chapter of her life. I always wanted her to feel comfortable, never like I was interviewing her, but for things to come up naturally; then she would go into these specific memories that she had with Elvis and talked about it in detail. I was also taking in the presence of this woman who’d lived this life, and her eyes would sparkle again talking about certain moments or she’d laugh at an inside joke that they had. That’s what I wanted to try to absorb when I was around her. She’s such a fascinating woman, very graceful and soft spoken in the way that she holds herself, but also has this fierceness about her.  She was never a doormat or a victim, so it was really important for me to try and show her strength underneath all her delicate femininity.  I think all of us women can relate to her, from being a young girl to finding her voice and her autonomy.”

Coppola: “I’m always interested in the fantasy of what looks ideal and then the reality of that. It looked like such a fairy tale on the outside, and then to hear the struggles that she went through, it’s not at all what you expect, that she had this ideal life, but there were the highs and the lows. There’s this idea in our culture that fame and wealth will make you happy, but the reality is that they come with a whole other set of baggage.”

Jacob Elordi shows a different aspect of Elvis Presley than the critically acclaimed performance by Austin Butler in Elvis by Baz Lurhmann, which earned him a Golden Globe as best actor.

Coppola: “For me it was really important to go by the perspective that Priscilla writes about in her book, showing him as a flawed human being. Elvis is such a godlike figure in our culture and history, but she talks about what he was like behind closed doors. It was so interesting to show his incredible charm and his vulnerability, the dark side of this complex relationship.”

Priscilla and Elvis Presley married May 1, 1967 in Las Vegas, their daughter Lisa Marie was born February 1, 1968. They separated February 24, 1972, filed for divorce in 1973.

Coppola: “It seems so hard that Priscilla wasn’t allowed to invite friends home or to get a job, she lived a protected life. It was a time, for women of my mother’s generation, when you were expected to be completely fulfilled and satisfied with having a successful husband, a beautiful home and a child. ‘What more can you want?’ That was the sentiment of women of that era, and if they wanted some expression outside of that, it was a struggle. Priscilla was trying to find her way, and I was glad that she was able to get a life of her own outside of Elvis after all that. I was looking at what my mother (Eleanor Coppola, married to her father Francis Ford Coppola for 60 years) went through, then looking at my daughters, while being in between these generations that have changed so much, but in some ways still have a lot in common.”

P.S. If you read Italian, see attached the article I wrote for VOILA Magazine social media

Gareth Edwards answered questions from journalists via zoom about The Creator, the science fiction thriller that he directed and co-wrote (with Chris Weisz), starring John David Washington, Gemma Chan, Ken Watanabe, Allison Janney.

Watch him say in this featurette: “My favorite cinema is very visually driven, it’s not like a play, it’s like a dream, it’s just a pure emotion.”

As to why he loves science fiction, he replied: “It’s probably from growing up with Star Wars and being promised this amazing world with spaceships and robots. Then you realize it’s not true and it’s not gonna happen, so, the second-best thing is to become a liar, like George Lucas, and create these stories for kids to grow up with.”

The British director was chosen to helm Rogue One: A Star Wars Story (2016), starring Felicity Jones, set before the events of Star Wars (1977) retitled A New Hope.

He cited as another influence: “The film that had the biggest impact on me as a kid was Steven Spielberg’s E.T. The Extraterrestrial (1982). When I went in, as a seven-year-old, all I was interested in was that I wanted to see an alien and a spaceship, then I got absolutely moved to tears on this emotional journey with the two of them.” He added: “That’s the secret goal for every movie you make, to do something that affects people emotionally, if you don’t make some people well up or cry, then you’re not really using the power of cinema.”

About how AI, Artificial Intelligence, is portrayed in his movie: “We were using AI as a metaphor for people who are different to yourself. But then, in the last year or so, it’s become quite a reality, it’s gotten very surreal. When I started writing this script in 2018, AI was up there with flying cars and living on the moon, it was something that maybe you would see in your lifetime, but probably not.”

He did not believe we should fear AI. “With every major technological breakthrough that’s happened in the last century or so, like electricity, computers, the internet, they always bring seismic changes on industries, it’s like a big bump in the road that we have to get over, but on the other side of it, when the dust finally settles, we all look back and go,
‘I’m glad we have electricity, computers and the internet.’ And AI will be another one. The next few years will probably be a little tricky, but the upside will be that AI is such a powerful tool that’s going to help so many things in the world, that the positives are going to outweigh the negatives.”

This article was posted in Italian on Voilà Magazine Facebook and Instagram

If you read Italian, please see the article I wrote for the Italian monthly Best Movie about Asteroid City by Wes Anderson, released in Italy Friday September 28.

Wes Anderson © Roger Do Minh-Focus Feature

Asteroid City
Wes Anderson e il cast svelano le ispirazioni dietro al nuovo film in uscita nelle sale.
Il regista e il cast hanno svelato le fonti di ispirazione del film che arriva al cinema in Italia il 28 settembre 2023

di Elisa Leonelli
25/09/2023

Asteroid City esce nei cinema italiani dopo l’anteprima al festival di Cannes il 23 maggio scorso. La regia è di Wes Anderson, scrittore della sceneggiatura con il frequente collaboratore Roman Coppola. Il protagonista è Jason Schwartzman, attore preferito del regista che lo aveva diretto in sette film precedenti a partire da Rushmore (1998). Jason è cugino di Roman in quanto figlio di Talia Shire, sorella di Francis Coppola.

Ambientato nel 1955, il film inizia in Bianco e Nero con un presentatore televisivo (Bryan Cranston) il quale racconta la messa in scena di una commedia al teatro Tarkington di New York, che ispira un immaginario film coloratissimo nel deserto del Nuovo Messico. Il nome del piccolo villaggio prefabbricato deriva dal fatto che era stato costruito intorno al cratere di una meteorite atterrata nell’anno 3007 avanti Cristo, mentre sull’orizzonte si notano le nuvole a forma di fungo delle esplosioni di bombe nucleari, che continuano ad essere collaudate segretamente nella vicina base militare di Los Alamos, dove era stata inventata la bomba atomica nel 1945.

Non drammatico come Oppenheimer di Christopher Nolan, ma umoristico come Don’t Worry Darling di Olivia Wilde, Asteroid City ha lo stile tipico e la precisione di dettagli degli altri film del regista d’autore.

Wes Anderson dice: «Gli anni ’50 rappresentano l’epoca d’oro dei teatri di Broadway e dell’Actors Studio, pensavo ad attori come Paul Newman e Joanne Woodward, a commediografi come Sam Shepard e Arthur Miller, mentre il deserto ci ricorda i film western in Cinemascope».

Adrien Brody, che interpreta il regista dell’opera teatrale, spiega: «La bellezza del film consiste nella nostalgia per questo periodo della storia americana, quando registi come Elia Kazan e attori come Marlon Brando e James Dean cambiarono lo stile della recitazione sia a teatro che al cinema»

Anche Anderson cita come ispirazione Brando, James Dean, Montgomery Clift, e Elia Kazan, regista della commedia di Tennessee Williams Un tram che si chiama Desiderio (1947-1949) e della versione cinematografica del 1951 entrambe con protagonista Marlon Brando. Kazan aveva fondato l’Actors Studio nel 1947, diretto da Lee Strasberg a partire dal 1951.

Scarlett Johansson, che interpreta una diva del cinema, confessa di essersi basata su Bette Davis, un’attrice reclutata da Hollywood nel 1930, quando il cinema passato dal muto al sonoro aveva bisogno di attori che sapevamo come modulare la loro voce data l’esperienza teatrale.

Anderson aggiunge di aver pensato anche a Marilyn Monroe, che aveva frequentato l’Actors Studio, e all’ultimo film da lei interpretato, Gli spostati (1961), un neo-western girato nel Nevada, regia di John Huston, sceneggiatura di Arthur Miller, suo terzo marito.

Bryan Cranston sostiene di essersi ispirato a Rod Serling, creatore della serie televisiva di fantascienza Ai confini della realtà (Twilight Zone, 1959).

L’ossessione con gli extraterrestri e gli UFO tipica degli anni 50 è il tema centrale del film Asteroid City, ambientato in un villaggio dove si radunano giovani astronomi (Junior Stargazers) per ricevere un premio annuale, accompagnati dai genitori, fra cui Jason Schwartzman, un barbuto fotografo di guerra con quattro figli rimasto vedovo da poco, e da un nonno (Tom Hanks), padre della moglie scomparsa (Margot Robbie), che quindi non si vede nell’ipotetico film a colori, ma compare in una delle scene in bianco e nero di New York.

Asteroid City viene messa sotto quarantena, come era successo in tutto il mondo dopo l’arrivo del COVID-19 nel marzo del 2020, da un generale dell’esercito (Jeffrey Wright) per impedire che si sparga la notizia dell’atterraggio di un’astronave e dello sbarco di un visitatore interplanetario. Sono voluti i riferimenti al film di Steven Spielberg Incontri ravvicinati del terzo tipo (1977).

Le riprese di Asteroid City si sono svolte nell’autunno del 2021 durante la pandemia, non nel sud-ovest americano, ma in Spagna, nei dintorni di Chinchón, vicino a Madrid.
Anderson conclude che il film è anche una riflessione su come gestire il dolore causato dalla morte di persone care, una delle «più importanti pietre miliari della nostra vita»

Ben Kingsley as Dalí. Photo courtesy Magnolia Pictures

Dalíland is the fantastical world where Salvador Dalí lives, as seen through the eyes of his newly hired young assistant James, when he steps into the Spanish painter’s lavish suite at the St Regis Hotel in New York City to find it crowded with colorful characters dancing and drinking champagne. The year is 1974. This is the set-up of the movie titled Dalíland, directed by Mary Harron and starring Ben Kingsley as Dalí.

Canadian filmmaker Harron, who had directed movies like I Shot Any Warhol (1996) and American Psycho (2000) also set in New York, said she was thrilled to be back in her old hometown, when she introduced her latest work as the closing night feature of the Toronto Film Festival on September 17, 2022.

Now that Dalíland has been released in theaters and on streaming platforms, audiences will be able to step into that world as well and get some insight about the man behind the famous artist.

Ben Kingsley in Dalíland. Photo courtesy Magnolia Pictures

Ben Kingsley said during video interviews at TIFF: “It was a surprise to be offered the role of such a monumental intellect and artist, a very intelligent man, immensely witty and utterly fearless. He was exhilarating and exhausting to play, as I had anticipated he would be. I imagine Dalí would be quite a difficult talent to digest today, but there was a part of him that was undigestible, take it or leave it, and that’s what I admired about him. He had an ontological security that defied fashion and Zeitgeist, he was what he was. Mary succeeded in showing Dalí in his environment, with his showmanship that was well documented, and the film has an unpredictable quality to reflect his personality.”

Ben Kingsley and Chris Briney. Photo courtesy Magnolia Pictures

James is played by Christopher Briney, whom Harron cast out of drama school at New York’s Pace University, and now plays Conrad in the TV series The Summer I Turned Pretty, created by Jenny Han from her 2009 novel. Kingsley praised his costar: “We really must applaud Chris Briney’s performance, because the film is a view of Dalí through the eyes of somebody who is constantly surprised and seduced by the world that he finds himself in.”

James is a fictional character, but it is implied that there were many such young men in Dalí’s life. The painter calls him Saint Sebastian, because his face reminds him of a Renaissance painting. He was the third century Christian martyr persecuted by Roman authorities and often depicted tied up bare-chested to a pillar or a tree and shot through with arrows. The most famous of such paintings was done by Andrea Mantegna in 1480.

Briney explained in an interview for the film’s production notes: “James is the lens through which the story is told, he is the audience’s perspective, as he’s taken through this surreal dreamworld and the sort of people that Dalí surrounds himself with. Salvador Dalí was in my textbooks, but I had very little understanding of the density of his world and of his work. He was courageous beyond the definition of the word, he took chances on a transcendental level, he really pushed the limits and opened up a lot of people’s eyes. James realizes that you have to respect Gala because she does light the fire underneath Dali and helps him create his art.”

Mary Harron, who co-wrote the script with her husband John C. Walsh, revealed in the production notes: “Dalí and Gala’s marriage was obviously much more tempestuous than ours, it was really stormy and legendary. I’ve heard it said that Gala did more than anyone else to foster Dali’s career and more than anyone else to damage it. And that’s an interesting paradox.”

The film takes us on flashback to Spain on a Costa Brava beach in Catalonia during the summer of 1929 when a young Dalí (Ezra Miller) meets his future wife Gala, a Russian immigrant ten years his senior, who was married to Surrealist poet Paul Éluard.

A flash forward to 1985 shows us James visiting Dalí in the hospital of his hometown of Figueres in Catalonia, sick and despondent after the death of Gala in 1982. Another visitor is Amanda Lear, a real-life muse of Dali that he met in a French nightclub in London in 1965, “when she was a he.” She had just published her autobiographical book My Life with Dalí.

The director said: “The great thing about Dali was that he loved and celebrated people who were trans, in some way he identified with any kind of gender fluidity. And you’ve got to honor that, so it was very important for me to cast an actor who was also trans. Then Andreja Pejić came in. She’s so astoundingly beautiful, charming and delicate, but also very European. She has that sense of mystery and the kind of looks, aura and enigmatic quality of a French movie star of the 70s like Catherine Deneuve.”

Andreja Pejic © Brian de Rivera Simon/Getty Images

Pejić, a fashion model born in Bosnia and raised in Melbourne Australia, talked about playing Amanda Lear at the Dalíland premiere in Toronto: “She’s such an icon in the fashion industry in Europe. I knew about her when I was 12-years-old, I was a big fan and I just wanted to meet her. That was my goal, and tell her how inspirational she was to my development into the woman I am today. But I never thought that I would be playing her in a movie, so it was really intimidating. I wanted to capture her charisma, and her special relationship with Dali between a muse and an artist. He was in love with her as a daughter in a spiritual way, in a creative way, in a romantic way. I had some experience of that, being a model and the muse of Jean-Paul Gautier, who reminds you of Dali in a lot of ways. So I could draw on those experiences.”

French singer Amanda Lear is still alive today at age 83, so Pejić concluded, “I hope she’ll enjoy this.”

Read here this article as published on the Golden Globes website

The animated Disney movie Little Mermaid had enchanted children in 1989, now the classic fairy tale by Hans Christian Anderson returns in a reimagined live-action version with new songs.

Little Mermaid cast (c_ Alex J. Berliner

Director Rob Marshall said: “It’s a very modern story about a girl who feels displaced and sees her life differently from anyone around her. With a great deal of passion and courage she embarks on an epic journey of self-discovery by breaking down walls and learning not to be afraid of the ‘other,’ which in her case was the human world. The contemporary themes explored felt to me like an antidote to the world’s divisions and a vital reminder that we are all one.” As for the casting of Ariel, which created controversy among racists, because of the color of her skin, Marshall stated: ““Our goal was to find someone who was incredibly passionate, smart, vulnerable, clever, with a great deal of fire and joy. When I first saw Halle, she was so otherworldly, and her voice was simply angelic. We saw everybody and every ethnicity, there really was no agenda.”
To underline how much times have changed in the past 30 years, Ariel, the princess of the sea, is portrayed by Halle Bailey, a famous singer of the duo Chloe x Halle with her older sister, after they acted together in the TV series Grown-ish, spin-off of Black-ish.
Halle was only 18 when she was chosen for the role and confessed that she cried when she received the phone call confirming it. This is how she described her character: “Ariel is passionate, she has so much wisdom beyond her years. She knows what she wants, and she doesn’t back down. I feel like our stories are very parallel to one another. We are both on similar journeys, and she inspired me to speak up and stand up for myself.”
Prince Eric, played by British actor Jonah Hauer-King, explained the foundation of this love story between two people who belong to different worlds: “They were kindred spirits who felt restless behind the four walls of their respective castles, and were very much looking outwards. They were fascinated by each other’s worlds, they learn a lot and develop a true friendship, which is the basis for love.”
Spanish star Javier Bardem is King Triton, Ariel’s father, with a long white beard and a fish tail like his daughter. He told us: “He’s a man who is deeply in love with his child, but he’s confused and fears for her, so he’s blocking her from being free. One of the beautiful themes in the story is that, like Eric’s mother Queen Selina (Noma Dumezweni), the adult parents have to learn from their kids. They don’t understand what true love means until they see them departing.”
Melissa McCarthy is Ursula, Triton’s sister, an evil sea witch with giant octopus tentacles. She said: “My goal was to create a villain you can love and despise at the same time.”
Daveed Diggs voices Sebastian the crab, Awkwafina is Scuttle the seabird, Jacob Tremblay is Flounder the fish.

Read below the same article I wrote in Italian for Voilà Magazine, slightly shortened to fit Instagram 2,200 characters limit.

La sirenetta ritorna
24 maggio, 2023

Il cartone animato La sirenetta aveva incantato i bambini nel 1989, adesso la classica fiaba di Hans Christian Andersen ritorna in una versione reinterpretata con attori in carne e ossa e nuove canzoni.
Il regista Rob Marshall dice: “Si tratta di una storia molto moderna di una ragazza che si sente fuori posto e ha una visione della vita diversa da tutti quelli che la circondano. Con grande passione e coraggio intraprende un viaggio epico di scoperta interiore, buttando giù dei muri e imparando a non aver paura dell’altro, in questo caso il mondo degli esseri umani.”
La principessa del mare Ariel è interpretata da Halle Bailey, famosa cantante del duo Chloe x Halle con la sorella maggiore. Hanno recitato insieme nella serie TV Grown-ish, spin-off di Black-ish.
Halle aveva solo 18 anni quando fu scelta per il ruolo e confessa di aver pianto quando ricevette la telefonata di conferma. Descrive cosi il suo personaggio: “Ariel è passionale e ha una saggezza superiore ai suoi anni, Sa quello che vuole e non si tira indietro. Le nostre storie corrono in parallelo, stiamo percorrendo un viaggio simile, e Ariel mi ha ispirato a farmi valere, mi ha aiutato a trovare me stessa.”
Il principe Eric, interpretato dall’attore inglese Jonah Hauer-King, spiega su cosa si basa questa storia d’amore fra due giovani che appartengono a mondi diversi: “Sono due anime gemelle, che si sentono inquiete dietro le quattro mura dei loro rispettivi castelli e guardano fuori, sono affascinati dal mondo dell’altro, imparano tante cose e sviluppano una vera amicizia, che è fondamentale per l’amore.”
Il divo spagnolo Javier Bardem è Re Tritone, il padre di Ariel, con una lunga barba bianca e la coda di pesce come la figlia. Ci racconta: “Si tratta di un uomo che ama profondamente sua figlia, ma si sente confuso e ha paura per lei, quindi le impedisce di essere libera. La bella lezione di questa storia è che, come la madre di Eric, i due genitori adulti devono imparare dai loro figli. Capiscono che cosa significa veramente l’amore, solo quando li vedono partire.”
Melissa McCarthy è Ursula, sorella di Tritone e strega del mare, con enormi tentacoli da piovra.

L’immensità by Italian director Emanuele Crialese premiered in September 2022 at the Venice film festival and was released in US theaters on May 12.

Penélope Cruz (c) Claudio Onorato

Penélope Cruz plays Clara, the Spanish mother of three children living in Rome in the 1970s, with an abusive husband who blames their family problems on the eldest child, Adriana (Luana Giuliani), a 12-year-old girl who is convinced they are a boy or possibly an alien from another galaxy.

Penelope Cruz as Clara

Cruz described the predicament of this housewife to press in Venice: “She’s not crazy at all, she has enough amount of craziness in her to survive this life that she has to live. That’s where she connects with her daughter. They feel trapped in their bodies, in their house, in their family, in their situation. Their only escape is through the television that connects them to another world, to art, to music, to dance, to dreaming.”

Several popular songs from the 1970s are recreated for the film and shot in Black and White, as they were performed on television variety shows. Color broadcasts were not authorized by state run RAI TV until Christmas 1977.

In an early scene, while setting the table for dinner, the mother leads her children in a rousing dance sequence as they sing Rumore, Raffaella Carrà 1974 hit single from her album Felicità tà tà. Read the Italian lyrics and the English translation. Watch Carrà 1979 television performance.

In a dream sequence, Adri, who prefers to be called Andrea, a male name in Italy, sees himself in the place of Adriano Celentano in a duet with Raffaella Carrà as played by Penélope Cruz, dancing and singing a non-sensical song in pretend English, Prisencolinensinainciusol. Watch the original 1974 performance.

In another fantasy Cruz in a blond wig performs as Patty Pravo, lip syncing the 1971 song Love Story. Here’s the lyrics in Italian, the English translation, and video of a live performance by Pravo.

In the final sequence we see Andrea as a young man singing full out L’immensità, the 1967 song written by Don Backy. Watch the newcomer sing it at the 1967 Sanremo Song Festival. That is, of course, the song that gives the film its title, The Immensity.

And here’s the complete soundtrack for your listening pleasure.

As in previous years, I attended CinemaCon this year (April 24-27), the annual convention of theater owners at Caesars Palace in Las Vegas where Hollywood studios present trailers of their upcoming movies, parading stars and directors on stage. Everyone celebrated the triumphant return of the theatrical experiences and the box office results of 2022 and 2023, when audiences returned to watch movies on the big screen, after the COVID global pandemic had closed movie theaters all over the world.

I paid special attention to the beautiful movie stars that have already established their talent and some new faces on their way up.

Zendaya

Zendaya, 26, received the Star of the Year award and said: “In a theater, that’s where someone can feel seen and less alone, escape and build a new dream.” A couple of days before she had stood on the stage of the giant Colosseum theater to present Dune Part Two (WB, November 3) with French Canadian director Denis Villeneuve and Timothée Chalamet.

Timothee Chalamet, Zendaya

A few minutes before that moment Chalamet, 26, had introduced a trailer for Wonka (WB, December 15) directed by Paul King from the 1964 novel by Road Dahl Charlie and the Chocolate Factory and paid homage to Gene Wilder who had starred in the cult classic Willy Wonka and the Chocolate Factory (1971). He said: “I’m something of a magician, inventor and chocolate maker.”

Ryan Gosling, Margot Robbie

Ryan Gosling, 42, wore a hot pink jacket when he came out on stage with Margot Robbie, 42, star and producer of Barbie (WB, June 21) directed and co-written by Greta Gerwig. He joked: “”I only knew Ken from afar and I doubted my Ken-ergy, I didn’t see it, but Margot and Greta conjured this out of me somehow. It came on like a scarlet fever. I was living my life and then one day I was bleaching my hair, shaving my legs and wearing bespoke neon outfits rollerblading down Venice Beach.”

Jennifer Lawrence

Jennifer Lawrence, 32, introduced a hilarious clip of No Hard Feelings (Sony, June 23) a R-rated sex comedy by Ukrainian-born director Gene Stupnitsky

Anthony Ramos, Dominique Fishback

Anthony Ramos, 31, star of In the Heights (2021) directed by Jon Chu from the stage musical by Lin-Manuel Miranda, stood on the stage with Dominique Fishback, 32, who had played Fred Hampton’s girlfriend in Judas and the Black Messiah (2021) by Shaka King. They presented a trailer of Transformers: Rise of the Beasts (Paramount, June 9). On closing night they both received the Rising Star of the Year award.

Xolo Maridueña

And here’s two up and coming actors that may go places. They star in Blue Beetle (DC Comics-WB, August 18) by Puerto Rican director Angel Manuel Soto. Xolo Maridueña, 21, born in Los Angeles, plays the first Latinx superhero. Bruna Marquezine, 29, born in Rio de Janeiro, Brazil, plays Jenny Lord. Soto said that he created Palmera City so Jaime Reyes/Blue Beetle could have his own location like Clark Kent/Superman has Metropolis and Bruce Wayne/Batman has Gotham City.

Bruna Marquezine

Text by Elisa Leonelli

Photos by Alberto Rodriguez/Getty Images for CinemaCon

Extrapolations-Oltre il limite, una serie televisiva di otto episodi interconnessi, esplora gli effetti dei cambiamenti climatici che già oggi minacciano la vita sulla Terra e probabilmente peggioreranno nel prossimo futuro con conseguenze catastrofiche, a meno che non vengano prese misure più decisive per ridurre il riscaldamento globale.

Il creatore della serie Scott Z. Burns aveva prodotto il documentario Una scomoda verità (An Inconvenient Truth, 2006) con Al Gore, regia di Davis Guggenheim, aveva scritto e diretto The Report (2019) con Adam Driver, scritto le sceneggiature per The Informant (2009), Contagion (2011), Effetti collaterali (Side Effects, 2013) e Panama Papers (The Laundromat, 2019), regia Steven Soderbergh.
Burns ha detto di Extrapolations: “Non facciamolo finire nel 2099. Quello è un costrutto letterario e umano che non è applicabile. Non abbiamo tempo fino alla fine del secolo. Sono sorpreso e frustrato che più filmmaker non abbiano incominciato a raccontare storie sul clima. Ma questo non ha alcuna importanza se le gente si annoia e spegne la TV.”

I prime tre episodi sono andati in onda simultaneamente il 17 marzo.

Episodio 1 intitolato A Raven Story (Storia di un corvo) e ambientato nel 2037, a soli 14 anni da oggi, presenta una gran varietà di disastri ambientali che affliggono il pianeta. Incendi infuriano nei boschi di tutto il mondo emettendo calore e fumo nell’atmosfera. Questo potrebbe essere un riferimento alla letale stagione degli incendi in Australia del 2019-2020, quando oltre 10 milioni di ettari di terra sono bruciati e si calcola che oltre un miliardo di animali siano morti, spingendo molte specie vicino all’estinzione.

Una giovane donna compare in forma di ologramma per far notare di essere nata nel 2015, l’anno degli accordi di Parigi, quando alla Conferenza sui cambiamenti climatici delle Nazioni Unite i capi di stato di tutto il mondo si erano impegnati a limitare l’aumento della temperatura sotto i 2 gradi centigradi entro la fine del secolo. Ci fa pensare a Greta Thunberg, l’attivista Svedese che adesso a 20 anni, e da cinque anni sta richiedendo azioni immediate per risolvere la crisi climatica.

Incontriamo molti personaggi le cui storie saranno ampliate in episodi successivi, con l’aggiunta di altri personaggi.

Tahar Rahim-Extrapolations © Zach Dilgard

Tahar Rahim, nato in Francia da genitori Algerini, aveva interpretato il prigioniero di Guantanamo nel film The Mauritanian (2021). Qui è Omar, un delegato all’O.N.U. dall’Algeria che sostiene la necessità di accedere a nuove tecniche di desalinizzazione per provvedere acqua potabile ai paesi assetati del Nord Africa. Secondo la W.H.O (Organizzazione Mondiale della Sanità) la scarsità d’acqua affligge una persona su tre in Africa.
Rahim ha detto della sua reazione alla sceneggiatura di Extrapolations: “C’è molta differenza fra il leggere e il sapere di un soggetto e vederlo. Quando avevo letto la storia la prima volta si trattava di una conversazione di parole e di idee, ma poi sono diventati fatti veri, quindi mi sono preoccupato maggiormente.”

Matthew Rhys-Extrapolations © Apple TV

Matthew Rhys, un attore gallese, era stato il protagonista della serie TV The Americans (2013-2018) con Keri Russell, e di Perry Mason (2020-2023), aveva recitato al cinema in Un amico straordinario (A Beautiful Day in the Neighborhood, 2019) con Tom Hanks. Interpreta Junior, un ricco imprenditore che si reca in Alaska sul suo aereo privato con la compagna (Heather Graham) che fa la cantante, per costruire un casinò fra i ghiacciai che si stanno sciogliendo. Lo scioglimento dei ghiacciai è accelerato negli ultimi due decenni causando l’aumento del livello del mare.  Junior è uno dei tanti personaggi che rappresentano i ricchi capitalisti che ricavano profitti dalla crisi climatica.
Rhys ha parlato del suo personaggio: “Nonostante l’ammontare dei guadagni che sembrano piovergli in grembo e le buone occasioni che gli bussano alla porta, è ancora arrabbiato e non molto felice. Una lezione morale per tutti noi,” e dei temi di Extrapolations: “La conclusione è che la scienza che ci viene presentata è terrificante e il lasso di tempo lo è ancora di più. Ma c’è speranza e ottimismo, la possibilità di riscattarci come razza umana. A piccoli passi si arriva a migliori risultati.”

Episodio 2 Whale Fall (Caduta della balena), ambientato nel 2046, tratta del tema della estinzione delle speci. Mammiferi come gli elefanti e le tigri sono già scomparsi, ma sono stati ricreati virtualmente con tecnologia avanzata.

Sienna Miller-Extrapolations © Zach Dilgard

Sienna Miller, attrice inglese, aveva recitato in Alfie (2004) con Jude Law, Casanova (2005) con Heath Ledger, interpretato Edie Sedgwick in Factory Girl (2006), Tippi Hedren nel telefilm The Girl (La diva di Hitchcock, 2012). In Extrapolations è Rebecca, una biologa marina che studia il comportamento dell’ultima balena sopravvissuta, in modo da poterla ricostruire. Attribuisce all’animale la voce della madre defunta, interpretata da Meryl Streep, che appare su video registrati prima della sua morte di cancro. Avevamo visto Rebecca partorire in Episodio 1, e suo marito Omar lasciare la conferenza all’O.N.U per essere al suo fianco.
Miller ha detto sul tappeto rosso della premiere di Extrapolations al Museo Hammer di Los Angeles il 14 marzo: “Studio gli animali mentre diventano estinti.  Nel 2047 la tecnologia si è sviluppata al punto che riusciamo a tradurre il verso delle balene nella voce umana, e io comunico con l’ultima balena. Quindi è un momento emotivo toccante e commovente. La serie è molto potente e importante, fa riflettere.”

Episodio 3 The Fifth Question (La quinta domanda) ambientato nel 2047, esplora le alluvioni che affliggono le nazioni isole e le grandi città, in questo caso Miami.

Daveed Diggs-Extrapolations © Zach Dilgard

Daveed Diggs, la cui madre ebrea gli aveva dato il nome del re Davide, aveva interpretato Thomas Jefferson e Lafayette in Hamilton, il musical di Lin-Manuel Miranda, il maestro in Wonder (2017) con Julia Roberts. In Extrapolations è il Rabbino Marshall Zucker, visto nel primo episodio quando abitava Tel Aviv in Israele, e suo padre (Peter Riegert) che era venuto a trovarlo cercava di convincerlo a tornare a Miami. Dieci anni dopo è il Rabbino del Tempio Israele di Miami, che sta per essere distrutto da una alluvione causata da un uragano. David Schwimmer e Judd Hirsch sono ricchi uomini d’affari ebrei che offrono di salvare il tempio con una bustarella alle autorità.
Diggs ha spiegato come ha interpretato un uomo di religione ebrea: “Mi sono spesso descritto come un ebreo piuttosto laissez-faire, quindi questa era una buona occasione per ricollegarmi a certi elementi della mia fede a cui non penso spesso. Il giudaismo è una di quelle religioni che ti permette di farlo, quindi è stato bello interpretare un tipo che era diventato piuttosto passivo nei sui rapporti con la fede nel senso dell’attivismo. Ci ho trovato molti paralleli.” Ha aggiunto in che senso è stato influenzato da Extrapolations: “Ci avevano fornito un sacco di informazioni su cosa significa veramente l’aumento della temperatura. Ma ho capito quanto fossi inconsapevole degli effetti che ho io, e ho iniziato un percorso per diventare più consapevole. Decisamente sono uno che crede nei cambiamenti climatici e ne ho parlato spesso, ma non facevo davvero molto per cambiate the cose, e ancora non faccio abbastanza. Dobbiamo attaccare questo problema da tutti i lati se vogliamo farcela, e sono contento di far parte di un progetto che fa un grosso sforzo per affrontarlo dal punto di vista della cultura filmica.”

Fra tutte le grandi città nel mondo attualmente minacciate da alluvioni, citiamo Venezia in Italia, dove un sistema di 78 gigantesche dighe marittime, chiamato MOSE (Modulo Sperimentale Elettromeccanico), dal Mosè biblico che divise le acque del Mar Rosso, fu finalmente completato nell’ottobre 2020 e da allora è stato utilizzato 49 volte con risultati positivi. Ma la questione sollevata in un articolo del New York Times del 1 aprile è per quanto tempo questo costoso meccanismo idraulico sarà in grado di proteggere la città.

Gli altri episodi di Extrapolations, in onda settimanalmente fino al 21 aprile, portandoci fino all’anno 2070, quando il pianeta sarà più caldo di 2.59 gradi in confronto ai 1.2 gradi di oggi, presentano attori come Edward Norton, Cherry Jones, Indira Varma, Michael Gandolfini, Keri Russell, Gemma Chan, Marion Cotillard, Forest Whitaker, Tobey Maguire, Kit Harington e Diane Lane.

Sabato 22 aprile, 2023 si celebra la Giornata della Terra, una manifestazione fondata nel 1970, segnando l’inizio del movimento per la difesa dell’ambiente. Quest’anno il tema è “Investi nel nostro pianeta.”

Traduzione dell’articolo in Inglese pubblicato sul sito Golden Globes e su Village il 10 aprile, traduzione in Italiano pubblicata sul sito Golden Globes il 23 aprile.

EXTRAPOLATIONS
By Elisa Leonelli. April 10, 2022

Extrapolations, a limited series of eight interconnected episodes streaming on Apple TV, explores the effects of the climate crisis that already threaten life on Earth today and will likely worsen in the near future leading to catastrophic consequences, unless more decisive action is taken to reduce global warming.

Series creator Scott Z. Burns produced the documentary An Inconvenient Truth (2006) about Al Gore and global warming, wrote and directed The Report (2019) starring Adam Driver, wrote the screenplays for The Informant (2009), Contagion (2011), Side Effects (2013) and The Laundromat (2019), directed by Steven Soderbergh.
Burns said about Extrapolations in a Boiling Point newsletter reprinted in the Los Angeles Times on March 30: “Let’s not have this end in 2099. That is a literary and human construct that isn’t applicable. We don’t have until the end of the century. I am surprised and frustrated that more filmmakers haven’t started telling climate stories. But nothing matters if people are bored and they turn off the TV.”

The first three episodes were aired simultaneously on March 17.
Episode 1 titled A Raven Story and set in 2037, only 14 years from now, presents a wide array of environmental disasters affecting the planet. Forest fires raging all over the world are filling the atmosphere with heat and smoke. This could be a reference to Australia’s deadly 2019-2020 bushfire season, when more than 10 million hectares of land burned and over a billion animals are estimated to have died, with many species pushed close to extinction.
A young woman appears as a hologram warning that she was born in 2015, the year of the Paris Agreement, when world leaders at the United Nations Climate Change Conference committed to limiting the global temperature increase in this century to 2 degrees Celsius. Greta Thunberg comes to mind, the Swedish activist, now 20-years-old, who for the past five years has been demanding immediate action to address the climate crisis.
A large cast of characters is introduced, some of their stories will be expanded in later episodes, with the addition of more characters.

Tahar Rahim-Extrapolations © Zach Dilgard

Tahar Rahim, born in France to Algerian parents, played the Guantanamo prisoner in The Mauritian (2021). Here he’s Omar, a U.N. delegate from Algeria who advocates for access to desalinization technology to provide drinking water to parched North African nations. According to W.H.O (World Health Organization) water shortage currently affects one in three people in Africa.
Rahim said on Screenrant on March 22 about his reaction to the script of Extrapolations: “There’s a difference between knowing it or reading it, and seeing it. When I first read it, for me it was a conversation about words or ideas, but it turned out to be real facts, so I felt more concerned.”

Matthew Rhys-Extrapolations © Apple TV

Matthew Rhys, a Welsh actor, starred in the TV series The Americans (2013-2018) with Keri Russell, and Perry Mason (2020-2023), acted in movies like A Beautiful Day in the Neighborhood (2019) starring Tom Hanks. He plays Junior, a wealthy entrepreneur who flies to Alaska in his private jet with his singer girlfriend (Heather Graham) to build a casino among the melting glaciers. Glaciers melt has accelerated during the past two decades causing sea levels to rise. Junior is one of several characters representing the wealthy capitalists profiting from the climate crisis.
Rhys talked on Screenrant about his character: “Given the amount of wealth that seemingly is pouring into his lap and the opportunity that knocks, he’s still angry and not very happy, which is a moral lesson to us all.” And about the themes of Extrapolations: “The takeaway is that the science we’re presented with is terrifying, and the timeline is probably even more so. But there is hope and optimism, a chance to redeem ourselves as a human race. Small steps can lead to greater things.”

Episode 2 Whale Fall, set in 2046, addresses the issue of species extinction. Large mammals like elephants and tigers have already disappeared, but were virtually recreated with advanced technology.

Sienna Miller-Extrapolations © Zach Dilgard

Sienna Miller, a British actress, acted in Alfie (2004) with Jude Law, Casanova (2005) with Heath Ledger, played Edie Sedgwick in Factory Girl (2006), Tippi Hedren in the TV movie The Girl (2012). In Extrapolations she is Rebecca, a marine biologist studying the behavior of the last surviving humpback whale, so her species can be re-engineered. She assigns to the animal the voice of her deceased mother, played by Meryl Streep, who appears on videos recorded before her death from cancer. We had seen Rebecca give birth in Episode 1, with her husband Omar, leaving the U.N. conference to be by her side.
Miller said on the red carpet for the Los Angeles premiere of Extrapolations at the Hammer Museum on March 14: “I study animals as they go extinct. By 2047 technology has developed to the degree that we can translate whale song into human language and I’m communicating with the last humpback whale. So it’s very emotional, poignant and moving. The show is really powerful, thought provoking and important.”

Episode 3 The Fifth Question, set in 2047, explores the flooding affecting island nations and big cities, in this case Miami.

Daveed Diggs-Extrapolations © Zach Dilgard

Daveed Diggs, whose mother is Jewish and was named after King David, played Thomas Jefferson and Lafayette in Hamilton, the musical by Lin-Manuel Miranda, the schoolteacher in Wonder (2017) with Julia Robert. In Extrapolations he plays Rabbi Marshall Zucker, seen in the first episode living in Tel Aviv, Israel, where his visiting father (Peter Riegert) was pushing him to move back to Miami. Ten years later he’s the rabbi at Temple Israel in Miami, which is about to be destroyed by flooding caused by a hurricane. David Schwimmer and Judd Hirsch play wealthy Jewish businessmen who offer to save the temple by bribing city officials.
Diggs talked about playing a Jewish man of faith on Screenrant: “I have described myself as a pretty laissez-faire Jew, so it was a cool opportunity to reconnect with some of the elements of faith that I don’t think about very much. Judaism is one of those religions that allows for that, so it was cool playing somebody who has also gotten pretty passive in his relationship with the faith in terms of the activism part of it. I found a lot of parallels there.” And about how acting in Extrapolations affected him: “We were provided with a lot of information, in terms what the temperatures rising really means. But was I was left with was how unconscious of my effects I am. It’s started a journey of making me more conscious again. I’m someone who definitely believes in climate change and who has often ranted about it, but I wasn’t really doing very much about it at all, and I’m still not doing enough. We’re gonna have to attack this issue from all sides if we’re gonna make it, and so I’m happy to be part of something that is taking a really big swing at attacking it from this popular culture side.”

Of the major cities around the world currently threatened by flooding, we mention Venice, Italy, where a system of 78 giant seawalls called MOSE, after the biblical Moses who parted the Red Sea, was finally completed in October 2020 and it has since been utilized 49 times with positive results. But the question raised in an April 1 article in the New York Times is, for how long will this expensive hydraulic system be able to protect the city?

The other episodes of Extrapolations, airing weekly until April 21 and taking us up to the year 2070, when the planet is 2.59 degrees hotter compared to 1.2 today, feature actors like Edward Norton, Cherry Jones, Indira Varma, Michael Gandolfini, Keri Russell, Gemma Chan, Marion Cotillard, Forest Whitaker, Tobey Maguire, Kit Harington and Diane Lane.

Saturday April 22, 2023, is Earth Day, an event founded in 1970, marking the birth of the environmental movement. This year the theme is “Invest in Our Planet.”

You may read here this article as published on the Golden Globes website

Matilda De Angelis

The Law According to Lidia Poët is an Italian television series streaming on Netflix inspired by the true story of the first female lawyer in Italy. Set in the 1880s in the regal city of Turin in the Piedmont region, that was capital of the Kingdom of Italy from 1861 to 1864, each of the six episodes deals with a fictional murder mystery, brilliantly solved by this fearless young woman, who offers legal representation to the person unjustly accused of the crime and conducts daring investigations to prove their innocence and discover the real culprit.

Despite having been admitted to the bar association, after earning a law degree, Lidia (Matilda De Angelis) is unfairly disbarred and banned from the courtroom, simply because this profession was not deemed suited for a woman at that time in history. She is forced to put aside her pride and ask for her older brother’s help, Enrico (Pierluigi Pasino), since he is also a lawyer, starts working as his assistant, and, short of funds, moves back into their family home, where Enrico lives his wife Teresa (Sara Lazzaro), their teenage daughter Marianne (Sinead Thornhill) and his wife’s brother Jacopo (Eduardo Scarpetta), a journalist.

Sinead Thornhill, Eduardo Scarpetta, Matilda De Angelis, Pier Luigi Pasino, Sara Lazzaro

In real life Lidia Poët, born in 1855, received her degree in Jurisprudence from the University of Turin’s law school in 1881 with a thesis on the condition of women in society and the right to vote for women, in 1883 she brilliantly passed the bar exam after two years of legal internship. Italy’s Attorney General entered a complaint with Turin’s Court of Appeal and three months later her license to practice law was revoked. She filed an appeal with the Supreme Court in Rome, which was rejected in 1884 with this justification among others, that, because of the deficiency of intellectual and physical strength in the female sex, women were excluded from holding public office. Most Italian newspapers and the public supported Lidia’s cause, and she dedicated her life to the movement fighting for women’s rights and gender equality, setting the agenda for the first Women Congress held in Rome in 1908. It was only forty years later in 1920 that Poët was readmitted to the bar at the age of 65 and allowed to legally practice her profession. She died in 1949, after witnessing Italian women earn the right to vote for the first time after the end of World War II, in the June 2, 1946 referendum to decide whether the country should remain a Kingdom or become a Republic.

Matilda De Angelis

Matilda De Angelis (born in Bologna on September 11, 1995) received critical praise for her performance in the movie Veloce come il vento (2016) directed by Matteo Rovere and starring Stefano Accorsi, played the murdered woman in the TV series The Undoing (2020) with Nicole Kidman and Hugh Grant. She said at the press presentation of La legge di Lidia Poët in Turin: “It was an enormous privilege for me to tell Lidia’s story. She made feminist history, and I am glad that we brought to light the life of a woman that is not too well-known. This series is a pretext to really get to know her in more historical depth; even if it’s a work of fiction and fantasy, that spans many genres including romance, it borrows elements from certain details of Poët’s life, born in Turin in 1855 in a family of lawyers. It’s very important to write this kind of story about gender inequality; we let our imagination and empathy fly and the result is a very well-written script. As an actress and as a woman I am flattered when I am given the opportunity to play a character like Lidia, intense and strong, with a big personality. I tried to give her as many facets as possible, make her determined and light at the same time. She is fallible and fragile and this is her most interesting trait.”

Sinead Thornhill, Matilda De Angelis

Producer-director Matteo Rovere introduced the series about Lidia Poët with this description: “It’s the story of an anti-conventional woman in the late 1800s, who shines for her talent, free spirit and personality. Her guiding principle is to be non-conformist, to think outside the box, to rebel against the dominant line of thought and the pre-existing system.”

Matilda De Angelis, Eduardo Scarpetta

This groundbreaking series is not only a celebration of the long-overdue emancipation of women, but cleverly explores historical aspects of turn-of-the-century Italian society such as opium addiction, prostitution, séances, anarchism, class differences, arranged marriages, forbidden lesbian relationships. It presents a heroine who is liberated and sexual, ahead of her time 140 years ago, but frustrated by her second-class position in society, fighting to affirm her right to work at the profession of her choice.

Read article as posted on Golden Globes website, in English and in Italian

P.S. Read about Clara Shortridge Foltz, first woman layer in California

Versione in italiano rimossa dal nuovo sito Golden Globes Novembre 2023

LA LEGGE DI LIDIA POÉT. LA PRIMA AVVOCATA D’ITALIA
Di Elisa Leonelli

La legge di Lidia Poët è una serie televisiva italiana in onda su Netflix ispirata alla storia vera della prima donna avvocato in Italia. Ambientata a fine Ottocento nella regale città di Torino in Piemonte, che era stata capitale del Regno d’Italia dal 1861 al 1864, ciascuno dei sei episodi tratta di un misterioso omicidio, brillantemente risolto da questa impavida giovane, che si offre di rappresentare come legale la persona ingiustamente accusata del delitto e svolge audaci indagini per dimostrare la loro innocenza e scoprire il vero colpevole.

Nonostante fosse stata ammessa all’albo degli avvocati, dopo essersi laureata in legge, Lidia (Matilda De Angelis) viene ingiustamente cancellata dall’albo e bandita dal tribunale, semplicemente perché questa professione non era considerata adatta per una donna in quel periodo storico. Si trova quindi costretta a mettere da parte l’orgoglio e chiedere l’aiuto del fratello maggiore, Enrico (Pierluigi Pasino), dato che anche lui fa l’avvocato, inizia a lavorare come sua assistente, e, squattrinata, si trasferisce nella casa di famiglia, dove Enrico abita con la moglie Teresa (Sara Lazzaro), la figlia adolescente Marianne (Sinead Thornhill) e il fratello della moglie (Eduardo Scarpetta), un giornalista.

Nella realtà Lidia Poët, nata nel 1855, si laureò in Giurisprudenza presso la facoltà di diritto della università di Torino nel 1881, con una tesi sulla condizione femminile nella società e sul diritto di voto per le donne, nel 1883 superò brillantemente l’esame di ammissione all’ordine degli avvocati, dopo due anni di praticantato. Il procuratore generale del Regno impugnò la decisione ricorrendo alla Corte d’Appello di Torino e tre mesi dopo le fu revocato il permesso di esercitare l’avvocatura. Lei presentò un ricorso alla Corte di Cassazione, che fu respinto nel 1884 con questa giustificazione fra le altre, che “la naturale riservatezza del sesso, la sua indole, la fisica cagionevolezza e la deficienza di adeguate forze intellettuali e morali, quali la fermezza, la severità, la costanza impediscono alle donne di occuparsi di affari pubblici”. La maggioranza dei quotidiani italiani e il pubblico sostennero la sua causa, e Lidia dedicò la sua vita al movimento per difendere i diritti della donna e la parità di genere, contribuendo al programma del Primo Congresso delle donne italiane tenutosi a Roma nel 1908. Morì nel 1949 dopo aver visto le donne conquistare il diritto di votare per la prima volta, dopo la fine della seconda guerra mondiale, nel referendum istituzionale del 2 giugno 1946, per decidere se il paese sarebbe rimasto una monarchia o diventato una repubblica.

Matilda De Angelis (nata a Bologna l’11 Settembre 1995) ricevette buone critiche per il suo ruolo nel film Veloce come il vento (2016) regia di Matteo Rovere con Stefano Accorsi, interpretò la donna assassinata nella serie televisiva The Undoing – Le verità non dette (2020) con Nicole Kidman e Hugh Grant. Ha dichiarato alla presentazione stampa di La legge di Lidia Poët a Torino: “«È stato un enorme privilegio per me poter raccontare la figura di Lidia, che ha fatto la storia del femminismo. Sono molto contenta che venga portata alla luce la vita di una donna ancora troppo poco conosciuta. Questa serie è un pretesto per conoscerla davvero, in maniera più approfondita e storica, anche se si tratta di un prodotto di finzione e di fantasia, che parte da alcuni dettagli della vita di Poët, e poi si allarga su molti generi, incluso il romance. È molto importante che vengano scritte storie come questa, sulla disparità di genere; abbiamo volato di immaginazione ed empatia, il risultato è una serie scritta molto bene. Da attrice, da donna, sono lusingata quando mi viene data la possibilità di interpretare personaggi come Lidia, pieno di carattere, di intensità e di forza. Ho cercato di darle più sfumature possibili, di renderla determinata e leggera allo stesso tempo, è una donna fallibile e fragile ed è proprio questo il suo tratto più interessante.”

Il regista e produttore Matteo Rovere ha detto per introdurre La legge di Lidia Poët: “È il racconto di una donna anticonvenzionale, nata nel tardo Ottocento, che già brilla per talento, spirito libero e personalità. Il suo credo è essere anticonformista, non adeguarsi alle opinioni comuni, aggirare la norma, pensare fuori dagli schemi, ribellarsi al pensiero dominante e al sistema preesistente.”

Questa serie innovatrice non è solo è un inno alla emancipazione delle donne, ma esplora anche astutamente aspetti storici della società di fine secolo come l’assuefazione all’oppio, le sedute spiritiche, gli anarchici, le differenze di classe, i matrimoni combinati, le relazioni lesbiche clandestine. Presenta una eroina liberata e sensuale, all’avanguardia 140 anni fa, ma frustrata dalla sua posizione subordinata nella società, che lotta per il suo diritto di lavorare nella professione di sua scelta.

The 38th edition of the Santa Barbara Film Festival took place from February 8 to 18 offering movie screenings and celebrity tributes.
Receiving variously named awards for their performances and participating in conversations were Angela Bassett for Black Panther: Wakanda Forever directed by Ryan Coogler, Cate Blanchett for Tár written and directed by Todd Field, Jamie Lee Curtis for Everything Everywhere All at Once, Brendan Fraser for The Whale by Darren Aronovsky, Colin Farrell and Brendan Gleeson for The Banshees of Inisherin written and directed by Martin McDonagh.

Virtuoso Award. Photo by Tibrina Hobson/Getty Images for SBIFF

During a signature evening at the Arlington Theater eight actors were interviewed individually then sat on the stage together and answered questions.

Austin Butler, who portrayed Elvis Presley in Elvis directed by Baz Luhrmann, mentioned his shyness: “I was a very introverted kid, I would go to a restaurant with my mom, I would whisper what I wanted and she would order it for me. Then I stumbled into being a a set and suddenly something sparked in me, this feeling as though I had found my tribe.” The challenges of playing the legendary singer: “It was walking that tightrope of wanting to find his humanity as much as I possibly could, but not losing his physical mannerisms and those sorts of things that give you the essence of Elvis.” And his goal: “I wanted to do justice to this man, to his family and to the fans around the world who love him.”

Kerry Condon, who played Colin Farrell’s sister in The Banshees of Inisherin, confessed how she felt as the only woman in a set full of men: “I’m quite tomboyish, so at first I wasn’t aware of that, but it was a bit lonely, because as a girl you can’t hang out with the fellows, so you can’t have a laugh in the same way. But I didn’t mind because there’s strength in solitude, and that was great to learn.”

Jeremy Pope, who played a queer Black man facing homophobia at a Marines boot camp in The Inspection based on the real life experience of director Elegance Bratton, revealed: “This movie changed me in a very real way. It started bringing up some ugly and honest truths about myself that I hadn’t dealt with, so it was a healing process.”

Nina Hoss, who played a violinist married to the orchestra conductor in Tár, detailed how she found her character: “Sharon was a bit of a mystery to me, because she is a very accomplished musician, in a powerful position, but she’s a woman who loses the partner of her life. When we started working on the Fifth Symphony by Gustav Mahler, an incredible piece that takes you through all the emotions you could possibly have in life, I learned about his wife Alma, and I thought, ‘Who is this woman who wants to be with a genius?’ That’s Sharon.”

Danielle Deadwyler, who played Mamie Till, mother of the murdered 14-year-old boy in Till directed by Chinoye Chukwu, was glad that the movie served its purpose to educate audiences about the Emmett Till story. “That’s the beauty of award season, it has given us the opportunity to share the goals, the intentions of our film. Mamie wanted to continue to spread the joy of Emmett, to talk about what happened. So that’s nothing but a win in every sense of the word.”

Ke Huy Quan, who played Michelle Yeoh’s husband in Everything Everywhere All at Once, explained: “I grew up in a culture where I had to internalize my feelings and hide the struggles, so I never shared it with anybody. And when I was offered this role, I knew immediately what I had to do, I had to be honest with myself and open up, pull my entire life into this character, who is not afraid to be vulnerable, to be perceived as weak.”

Stephanie Hsu, who played Michelle Yeoh’s daughter, praised the working environment created by “incredible filmmakers” Daniel Kwan and Daniel Scheinert, writer-directors of Everything Everywhere All at Once. “The Daniels surround themselves with strong-headed women, myself included. We brought an inherent knowing of a very specific mother-daughter relationship, as first generation immigrants, complicated, beautiful, messy, with love so deep.”

Jeremy Strong, who played the director’s father in the autobiographical Armageddon Time written and directed by James Gray, stated: “D.H. Lawrence said that the work of every true artist is the salvation of every other and I always find it to be true. So it’s incredible to be here being honored with these remarkable actors doing truly virtuosic work.”

To a question as to what celebrities they would like to be married to in a movie, Butler replied Marlon Brando, Quan chose Tom Cruise, Condon mentioned James Gandolfini, Hoss said that she couldn’t betray her wife Cate Blanchett, Pope and Hsu both selected Deadwyler.

At the end these talented actors were handed the Virtuoso award by Jane Lynch.

You may watch the entire event at this link
Read here this article as published on the Golden Globes website

Text by Elisa Leonelli
Photos by Tibrina Hobson and Rebecca Sapp/Getty Images. Courtesy of SBIFF

Il Boemo tells the life story of an 18th century composer who traveled from Prague to Venice, Italy in 1763 at the age of 25 to pursue his dream of creating music and succeeded. His name being Josef Mysliveček, which was difficult to pronounce, he was nicknamed “il Boemo” by the Italians, meaning a man from Bohemia, a historical kingdom now part of the Czech Republic.

Vojtěch Dyk-Il Boemo

Czech director Petr Vaclav had already made a 2015 documentary about the subject, Confession of the Vanished, where he employed voice-over narration to express the composer’s reflections on his own life. With this feature film Vaclav fulfilled his own dream of giving a full bodied interpretation of the life of this tall and handsome stranger, played by Czech singer Vojtěch Dyk, through fabulous period costumes and settings, wonderful opera performances, imagined love relationships with various noblewomen who furthered the composer’s career and inspired his music.

Vojtěch Dyk, Lana Vlady-Il Boemo

Several historical figures intersected with il Boemo, from music teacher Giovanni Pescetti, who also taught Antonio Salieri, Mozart’s teacher, to coloratura soprano Caterina Gabrielli (Barbara Ronchi), who sang in his operas Il Bellerofonte, commissioned by the Teatro San Carlo in Naples in 1767, and in the 1778 L’Olimpiade.

Barbara Ronchi-Caterina Gabrielli

The film depicts Mysliveček’s first meeting with a 14-year-old Wolfgang Amadeus Mozart and his father Leopold, that took place in Bologna in 1770, where the young Austrian prodigy asked for advice from the 33-year-old veteran on how to please Italian audiences.
A later scene set in 1778 shows how Queen Maria Carolina, married to Ferdinand, King of Naples, sister of Maria Antoinette, Queen of France, dismissed the suggestion of offering a opera commission to Mozart, “that vagabond, who runs across the globe, instead of serving my mother,” Austrian Empress Maria Theresa.
The film starts from the end, when il Boemo dies in Rome in 1781 at the age of 43, after a long battle with syphilis. A bitter Leopold Mozart wrote to his son that he blamed the Bohemian composer’s misfortune on “his despicable lifestyle.” Ironically Mysliveček was celebrated in his lifetime, then quickly forgotten, while Mozart, who also died young of an illness at the age of 35, became much more famous after his death and is still considered one of the great musicians of all time.
Petr Vaclav said of Mysliveček in the EPK: “He achieved self-fulfillment, and he left behind his music which still speaks to us even after 240 years of oblivion.” It was through a new production of L’Olimpiade conducted by Václav Luks in 2013, that the director became convinced of the exceptional talent of this musician that he felt deserved to be rediscovered.
The word “Bohemian” also means a person with artistic or literary interests who disregards conventional standards of behavior, and it certainly applies to this man, who defied his father’s expectations that his son would run the family mill, in order to pursue his true calling of becoming a music composer.

Read here the version without weblinks as published on the Golden Globes website.

Martin Scorsese (c) Elisa Leonelli 1999

In my long career as a journalist I interviewed masterful Italian-American director Martin Scorsese multiple times.
In 1986 I interviewed and photographed him and Tom Cruise about The Color of Money.

Martin Scorsese (c) Elisa Leonelli 1986

In 1990 an interview I wrote about Goodfellas was the cover story of Venice, Los Angeles Arts and Entertainment Magazine, where I served as Film Editor from 1990 to 1999.
In 1992 I wrote an article about Cape Fear for the Italian film monthly CIAK as their Los Angeles Correspondent from 1987 to 1994.
In 1993, while studying for a Master Degree in Critical Studies at USC’s School of Cinematic Arts, I wrote a paper on The Age of Innocence. You can find it on academia.edu.
In 2014 I selected portraits to add to the HFPA Archives from the negatives of the very first interview Scorsese gave to the Hollywood Foreign Press in 1976 with Robert DeNiro for Taxi Driver.
In 2017 I wrote an interview with Scorsese about Silence for the Italian magazine Best Movie as their Los Angeles Correspondent since 2005.

Martin Scorsese (c) Armando Gallo-HFPA 2019

In 2020 I quoted Scorsese and Robert De Niro about The Irishmen in my article Mafia in the Movies for Cultural Weekly.
In 2022 I wrote a post of archival quotes to celebrate Scorsese’s 80th birthday for the Golden Globes website.

Happy Birthday Marty!

BETTE MIDLER. Photo (c) by Elisa Leonelli 1988

Bette Midler is back as one of the three witches in the sequel to Halloween’s cult classic Hocus Pocus (1993) co-starring Sarah Jessica Parker and Kathy Najimy, streaming on Disney+
Read at this link my article of archival quotes from the movie For the Boys, and my 2020 profile, both published on the Golden Globes website.
Read here my 2020 article on the Kipper Kids and Bette Midler from Cultural Daily.

BETTE MIDLER. Photo (c) by Elisa Leonelli 1988

See above one of the portraits that I photographed after a 1988 Hollywood Foreign Press interview about Beaches.

Elisa Leonelli with Bette Midler (c) HFPA 1988

I just love Bette Midler, don’t you?

Tilda Swinton (c) HFPA 2016

Tilda Swinton is the striking Scottish actress who worked with filmmakers like Derek Jarman (Caravaggio 1986, etc), Sally Potter (Orlando 1992), Jim Jarmusch (Broken Flowers 2005, Only Lovers Left Alive 2013), the Coen Bros (Burn After Reading 2008, Hail, Caesar! 2016) ), Luca Guadagnino (I Am Love 2009, A Bigger Splash 2015, Suspiria 2018), Wes Anderson (Moonrise Kingdom 2012, The Grand Budapest Hotel 2014, The French Dispatch 2021).

Tilda Swinton (c) HFPA 2011

The three-times Golden Globe nominee also acted in movies like Michael Clayton (2007) with George Clooney, The Curious Case of Benjamin Button (2008) with Brad Pitt, The Personal History of David Copperfield (2019) with Dev Patel. As a journalist in the Hollywood Foreign Press, I interviewed her many times through the years.

Tilda Swinton (c) HFPA 2018

Please click here to read the archival post I wrote for the Golden Globes website about her playing the White Witch in The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe (2005) and click here for my article about Three Thousand Years of Longing (2022) directed by George Miller.

You may read below a version with weblinks, if you wish to look up more information about the historical and literary references.

Three Thousand Year of Longing, that premiered at the Cannes Film Festival, is directed by George Miller from the 1994 short story The Djinn in the Nightingale’s Eye by A.S. Byatt, the British author of novels like Possession (1990) that was made into a 2002 film by Neil Labute starring Gwyneth Paltrow.
Golden Globe nominee George Miller, Australian director of Mad Max (1979), The Road Warrior (1981), Mad Max Beyond Thunderdome (1985) starring Mel Gibson, and Mad Max: Fury Road (2015) with Charlize Theron, is currently filming Furiosa with Ann Taylor-Joy.
He liked the story, Miller said in the production notes, because “it seemed to probe many of the mysteries and paradoxes of life so succinctly.”

Tilda Swinton-Three Thousand Years of Longing (c) MGM

The movie, set in the present day during the COVID-19 pandemic, is about a British narratologist played by Tilda Swinton, specialized in interpreting fairy-tale stories through the ages, speaking at a conference in Istanbul, who purchases an antique glass bottle in a bazaar and while cleaning it, like from Aladdin’s lamp, she unleashes a giant dark Genie, a Djinn, played by Idris Elba.
The unlikely couple, wearing white bathrobes in a hotel room, start a conversation in Greek, before he learns to speak the English language, whereby he explains that among the three wishes he offers her in exchange for his freedom there can’t be that of eternal life, because she’s a mortal while he’s an immortal, nor can he end all suffering. When she refuses to name her deepest wishes, he then proceeds to tell her in flashback the story of his life over three millennia, including his friendship with the Arabian Queen of Sheba, wife of King Solomon from the Hebrew Bible, and his residence at the court of Suleiman the Magnificent, Sultan of the Ottoman empire.
The film transports us visually into a magical Islamic world out of the Arabian Nights, the collection of 1001 Middle Eastern folktales as told by Scheherazade, and illustrates the passionate and tragic love of the genie for three women through the centuries.

Tilda Swinton, George Miller, Idris Elba (c) Elise Lockwood-MGM

Elba said to press in Cannes:”I never considered the genie as a hero. Actually, he’s quite a flawed spirit in his longing. But when he meets Alithea, he is brave, he realizes that his normal procedure to grant wishes is not going to work here, so he begins to take bravery on and face his inner turmoil. We tried to make him as human as possible in a real situation, but he is transporting the audience into these fantastical stories on his journey. There’s a sense of heightened reality when you look at Sheba’s world, at Solomon’s beautiful musical instrument and these magical creatures, but it’s all part of his reality.”
Swinton explains in the notes that her intelligent character, Alithea, “is tracing the many different human stories all over this earth, figuring out similarities, the through lines, the essential truths. She has all this knowledge, she is a specialist in being an observer, listening to, reading, understanding, writing about other people’s lives, stories and fantasies, but she’s not really a participant.” And from her relationship with the genie, “she learns about desire, and that’s her evolution.”
Miller’s daughter, Augusta Gore, who co-wrote the script with her father (he was married to her mother Sandy form 1985 to 1992), said to the press in Cannes about the film: “It’s about the interplay between science and myth, between technology and magic, between the ideas of immortality and what it means to live a mortal life, with love, desire and fear and what we go through all the time.”
The film version omits the stories told by Alithea in the novella, such as that of Patient Griselda from The Canterbury Tales by Geoffrey Chaucer. It does include her realization that, after her husband left her for a younger woman, the middle-aged professor felt happiness like “a prisoner coming out of a dungeon.” When she finally expresses her first wish, the movie evolves into a woman’s fantasy of timeless romantic love.

When asked by the press in Cannes about what his three wishes would be, Miller said: “The whole point in making wishes is that they must be earned in some way. It’s one thing to want to end the turmoil and the chaos of life that we are seeing all around and is part of our human narrative. But it’s another thing to effectively do something about it. The heroic figures are the agents of change, but it requires that people relinquish their self-interest for the greater good. That’s the heroic gesture.”

The most interesting aspect of the fashion in the BBC series Gentleman Jack, that just aired its second season on HBO, are the style choices made by costume designer Tom Pye for actress Suranne Jones, playing 19th century lesbian landowner Anne Lister, master of Shibden Hall in Halifax, West Yorkshire. Pye had designed the costumes for a TV movie also created by Sally Wainwright, To Walk Invisible (2016) about the Brontë sisters.

Suranne Jones as Anne Lister- Photograph by Aimee Spinks/HBO

The work of the costume department was complemented by the hair and makeup team led by Lin Davie.

Albane Courtois as Eugénie Pierre, Suranne Jones as Anne Lister (c) Matt Squire/HBO

As detailed in the title sequence of each episode that shows Miss Lister getting dressed, she wore a corset, as women did in 1832 England, and ankle-length skirts, however she copied the man’s clothing style for items like shirts, vests, ties, jackets, overcoats and hats.

Amelia Bullmore as Eliza Priestley, Peter Davison as William Priestley (c) Matt Squire/HBO

See the contrast in the men and women clothes worn by Eliza Priestley (Amelia Bullmore) in a lace bonnet and her husband William Priestley (Peter Davison) in a man’s overcoat.

Suranne Jones as Anne Lister- Photograph by Aimee Spinks/HBO

Suranne Jones as Anne Lister-Photograph by Aimee Spinks/HBO

Suranne Jones as Anne Lister-Photograph by James Stack/HBO

Lister wore mostly black outfits, and favored military references in her clothing, but occasionally sported feminine gowns for dressy occasions, such as the white dress with large epaulettes and birds-of-paradise feathers in her hair.

Suranne Jones as Anne Lister, Sophie Rundle as Ann Walker (c) Aimee Spinks/HBO

Sophie Rundle as Ann Walker-Photograph by Aimee Spinks/HBO

Gemma Whelan as Marianne Lister-Photograph by Aimee Spinks/HBO

Gemma Jones as Aunt Anne Lister-Photograph by Aimee Spinks/HBO

Lydia Leonard as Marianna Lawton-Photograph by Aimee Spinks/HBO

See the women styles of the period for Lister’s companion, Ann Walker, (Sophie Rundle), her sister Marian (Gemma Whelan), her Aunt (Gemma Jones), her former lover Marianna Lawton (Lydia Leonard).

Albane Courtois as Eugénie Pierre-Photograph by Aimee Spinks/HBO

See also how a woman from the servant class dressed, Lister’s French maid Albaine Courtois (Eugénie Pierre).

WILLEM DAFOE. photo by Elisa Leonelli (c) 1988

In my long career as entertainment journalist, I interviewed Willem Dafoe numerous times during the past 40 years, and I always liked him. This year I noticed his engaging performances in four movies. He was directed for the sixth time by Paul Schrader (after Light Sleeper, Affliction, Auto Focus, The Walker, Adam Resurrected) in The Card Counter with Oscar Isaac. He said: “Paul and I share a similar interest in marginal characters who have a unique perspective on the world.” He had a cameo in The French Dispatch by Wes Anderson, who had directed him in The Life Aquatic with Steve Zissou and The Grand Budapest Hotel. He played the carnival impresario in Nightmare Alley directed by Guillermo del Toro with Bradley Cooper and Cate Blanchett. He returned as Norman Osborn/Green Goblin in Spider-Man: No Way Home, having played the Marvel villain in Spider-Man directed by Sam Raimi with Tobey Maguire as Peter Parker.

WILLEM DAFOE (c) Elisa Leonelli 1988

So I decided to feature him on the Golden Globes website in my monthly column of historic quotes from the HFPA Archives, as he talked about playing Jesus in The Last Temptation of Christ by Martin Scorsese. Click here to read. 1988 was the year that I took some photographic portraits after the interview.
In 2018 I had written his profile when the journalists of the Hollywood Foreign Press nominated him to his third Golden Globe for playing Vincent van Gogh in At Eternity’s Gate by Julian Schnabel with Oscar Isaac as Paul Gaugin.

Elisa Leonelli, Willem Dafoe (c) HFPA 2002

I love it that he appreciates my country’s lifestyle: “The Italians are geniuses at balancing work and leisure. The culture is integrated into everybody’s life in a way that I really admire, not just in the performing arts and visual arts, but in a sense of cultural history and fine cuisine. So it’s a good life.”

Text and photos by Elisa Leonelli

Elisa Leonelli with Tom Hanks (c) HFPA 1999

As a Foreign Press Correspondent, I spoke with Tom Hanks many times through the years, and twice in 2020, about Greyhound and about News of the World directed by Paul Greengrass. I wrote an interview for the Italian magazine Best Streaming, where he said about the coronavirus pandemic: “Sure, it’s great to have a vaccine out, but we’re going to be living with this virus until the summertime. Just because some people are beginning to get the first of two inoculations, this is not going to be easy, we won’t be able to just stop by and grab the vaccine, and some people will not even show up to take it. There are very simple things that one can do, wear a mask, wash your hands, keep social distance and if you might have it, isolate. I don’t understand how your average person cannot have that sense of responsibility or empathy. Covid 19 has been a test of us all and there isn’t any doubt that some of us have not learned the lessons of the test.”

Thank you Tom for the sane words, and Happy New Year to all.

Aaron Sorkin (c) Armando Gallo-HFPA 2017

Aaron Sorkin wrote and directed The Trial of the Chicago 7, with Sacha Baron Cohen playing Abbie Hoffman, Jeremy Strong as Jerry Rubin, Eddie Redmayne as Tom Hayden, Yahya Abdul-Mateen II as Bobby Seal. On Netflix September 16, watch trailer.
Sorkin did not know about this trial when Steven Spielberg proposed to him in 2006 to write the script, he was 8-years-old in 1969, so he asked his father about the anti-Vietnam War demonstrations at the Democratic Convention of August 1968.
I ask Sorkin what he hopes this film will teach his 19-year-old daughter. “My young daughter joined the Women’s March the day after Donald Trump was inaugurated, she has been out on the street these past few weeks marching with Black Lives Matter protesters, so she is teaching me about protest. Protest is a very honorable form of patriotism, it’s not anti-American, every important change in this country has always happened because of protest. My daughter and her friends are the ones we’ve been waiting for.”

Sacha Baron Cohen, Jeremy Strong © Niko Tavernise-Netflix 2020

I ask Jeremy Strong about Jerry Rubin: “From Jerry’s books you get a sense of his anarchic, creative, defiant spirit. He was a merry prankster with a real volcanic outrage underneath, he used guerilla theater, humor and theatrical tactics. He cared greatly about people’s struggles for liberation all over the world, and, ultimately, he believed in what he called an interracial humanhood, which is such a wonderful noble concept.”

When I first watched the TV series VIDA in 2018, I was excited to learn about the East LA neighborhood of Boyle Heights, and to see all kinds of sexual preferences and gender expressions represented, in what used to be a macho Latin culture. I wrote this article in Cultural Weekly, VIDA-Latinx TV, and I actually asked my family to spend my birthday exploring that neighborhood. See my article about TV programs streaming in 2020 for another series set in Boyle Heights, Gentefied on Netflix.

VIDA-Lyn, Emma (c) STARZ

I loved the second season of VIDA in 2019, and the third and last season airing Sunday April 26, 2020 on STARZ. As a journalist in the Hollywood Foreign Press, in 2019 I had the privilege of interviewing Melissa Barrera and Mishel Prada, the young actresses playing the sisters Lyn and Emma, and I met them again, virtually, a couple of weeks ago. I asked to interview Roberta Colindrez, who had impressed me as Nico in VIDA, and I was granted a one-on-one interview on video.  I wrote two articles, one for the Golden Globes website and another for Cultural Weekly. But there’s so much more to say. So here are excerpts from the questions I asked this year to Mishel and Melissa.

Melissa Barrera, Mishel Prada © HFPA

Elisa: What are your thoughts on the Catholic and Christian churches condemning homosexuality as a perversion, which is so damaging to young queer people?
Mishel: It’s really beautiful that we get to explore in VIDA this season what that really means. Because what we saw in the first season was that, even though these very traditional Mexican Catholic women didn’t fully accept the idea of homosexuality, when the mother passed away or when help was needed, they were still showing up with the rosaries and were there for each other.  And that’s really at the heart of the complexities that we see.  We could still be holding onto these ideals of Catholicism and Christianity, but we should be more encouraged to take what we want from it, which are themes of love and acceptance, and move away from hate and not acceptance.

Elisa: Emma has sex with men but develops emotional relationships with women, particularly with Nico, the bartender. Roberta Colindrez identifies herself as queer, how about you?
Mishel: Actually for me the least interesting part of Emma is who she has sex with, because she has so many other emotions going on, she is very open and she’s going to fall in love with whoever she wants to fall in love with.  And I feel that way as well, I don’t identify as anything in particular.  Wherever life takes me, I will fall in love with whoever the human being is. There’s something really beautiful about being open to falling in love with whoever you happen to fall in love with. I love that romantic idea of being open to what life gives you.

VIDA-Marcos (c) STARZ

Elisa: Can you talk about Marcos, who holds a double queerceañera party at the bar Vida, and his gender expression that sometimes is male, other times female?
Melissa: Series creator Tanya Saracho actually wrote that character based on the actor, Tonatiuh Elizarraraz. He is just like that, he is fluid in the spectrum and he goes from whatever he is feeling one day to whatever he is feeling the next. He can go from butch male, and you wouldn’t know if he is gay or not, then sometimes he wants to wear heels and makeup, and he does. There’s something really beautiful about someone that is so free to express themselves in however they are feeling. Marcos identifies as male in the show, because Lyn calls him a he, he does not use the they/them trans non-binary pronouns, which sometimes can be confused with someone who is so fluid. What I love about our show is that you see all kinds of people that are all over the sexual spectrum and the gender spectrum, and not everyone has a label, which is okay. You don’t have to know exactly where someone falls in the spectrum to fall in love with them and Marcos is the proof of that, because the audience loves him.

Elisa: How would you describe the friendships between Marcos and Lyn?
Melissa: The relationship between Marcos and Lyn is very cool, because they are like brother and sister, they become confidants. And during season two that’s very apparent, because he is always there for her in all of her troubles, but in season three, Lyn is on another trip, getting to know her father and keeping that a secret from Emma. And as much as Marcos wants to be there for her, they also start having a falling out, because they are not on the same page anymore and their priorities are not the same. And that’s the dynamic of friendships, that happens all the time, friends fight, they have fallings out and they disagree. So there’s a little bit of more color to their friendship, which I loved.

P.S. Read June 24 interview with VIDA creator Tanya Saracho.